-->
Näytetään tekstit, joissa on tunniste DocPoint. Näytä kaikki tekstit
Näytetään tekstit, joissa on tunniste DocPoint. Näytä kaikki tekstit

maanantai 5. helmikuuta 2018

DocPoint 2018: Ex Libris - amerikkalaiset eivät ole tyhmiä

Frederick Wisemanin Ex Libris: The New York Public Library
Image result for ex libris movie

Ex Libris, 3h17min., on paperilla tämänvuotisen DocPointin pisin elokuva. Elävässä elämässä se ei silti ole edes yhtä pitkä kuin My Helsinki -kampanjamainos. Jonkun paisunut ego kaipaa puhkaisua, sillä vaatii aikamoista omahyväisyyttä olettaa, että festariyleisö jaksaa ennen odottamaansa elokuvaa katsoa kerta toisensa jälkeen mitäänsanomattoman mainoksen, jolla on pituutta 2 minuuttia ja 5 sekuntia.

Nostan DP18:n pääelokuvaksi mestari Wisemanin kirjastoelokuvan. En sen takia, että se olisi itseoikeutetusti festivaalien ns. paras teos, vaan koska siinä kiteytyy niin paljon siitä, mitä dokumenttielokuvan pitäisi olla: sivistynyt, peloton, jalo, inhimillinen, näkemyksellinen, yhteiskunnallinen, viisas, silmiä avaava. Lisäksi se Wisemanin kautta kytkeytyy dokumenttielokuvan traditioon syvimmällä mahdollisella tavalla.

50-vuotisen uran luonut Frederick Wiseman on 88-vuotias, mutta tekee yhä 3-4-tuntisia elokuvia, joissa hän tutkii ihmistä, ihmisen luomia laitoksia ja näiden kahden välistä suhdetta; instituutiothan koostuvat ihmisistä tarkoituksenaan olla jotain enemmän kuin osiensa summa. Niin ovat muuten Wisemanin elokuvatkin. Wiseman on korkeasti koulutettu älykkö, entinen juristi, joka vasta reilusti yli kolmekymppisenä jätti yliopistouransa siirtyäkseen kommentoimaan ympäröivää maailmaa elokuvan keinoin. Hän aloitti tutkimuksella mielisairaita rikollisia hoitavasta sairaalasta. Legendaarinen Siilipäiden revyy (Titicut Follies, 1967) joutui ennenkuulumattomasti pannaan ja aloitti suuren sananvapauskeskustelun. Siitä lähtien Wiseman on lukeutunut alansa tärkeimpiin. Hän ei kuitenkaan ole koskaan ollut sensaatiohakuinen paljastuselokuvien tekijä, vaan on pyrkinyt tunkeutumaan syvemmälle yhteiskunnan piilorakenteisiin. Eräässä mielessä hän tekee kartoittajan työtä. Kerronnaltaan Wiseman sivuaa direct cinemaa - ja on suuresti siihen vaikuttanut -, mutta ei kuulu siihen samalla tavalla kuin esimerkiksi D. A. Pennebaker. Wiseman on pysytellyt merkityksellisen itsenäisenä ja persoonallisena toimijana.

Silti hänen pitkälle hiottu tyylinsä tavoittelee näennäistä persoonattomuutta. Hän on mestari luomaan objektiivisuuden illuusion. Itse elokuvansa leikkaava Wiseman kuvaa tyypillisesti toista sataa tuntia aineistoa, josta hän kärsivällisesti veistää oman näkemyksensä tapahtumista. Wiseman leikkaa aktiivisesti, mutta ei koskaan haastattele, ei kuvaa ihmistä suoraan edestä, käytä musiikkia tai taustoita kuvaamiaan henkilöitä. Wisemanin elokuvissa katsoja kävelee aina huoneeseen täynnä tuntemattomia ihmisiä, jotka eivät tiedosta hänen läsnäoloaan. Huomion täytyy silloin kiinnittyä siihen, mitä ihmiset sanovat, miten he sen sanovat ja miten muut siihen reagoivat. Tämä vaatii katsojalta valppautta, vireyttä ja keskittymistä, mutta palkinto on sen arvoinen: kokemus siitä, että minua ei manipuloida, vaan saan itse ja rauhassa muodostaa oman käsitykseni sekä makustella valtavaa tietomäärää, joka rauhallisesti hopealautasella eteeni ojennetaan.
Image result for ex libris movie
Loputtoman rikas Ex Libris ottaa haltuun kirjaston. Wisemanin hienostuneisuudesta kertoo paljon se, että hän välittää yhden pääsanomansa pelkästään sillä, että vasta elokuvan kolmannella tunnilla nähdään ensimmäisen kerran joku lainaamassa jotain. Kirjasto on 2000-luvulla jotain aivan muuta kuin kirjojen säilytyspaikka. NYPL:ssa järjestetään pyörryttävä määrä keskustelutilaisuuksia, luentoja, lukuhetkiä, tanssi- ja muita kursseja, rekrytointitilaisuuksia jne. Elokuvan keston mittaan alkaakin vaikuttaa siltä, että kirjasto on ottanut hoitaakseen tehtäviä, jotka aiemmin ovat kuuluneet kansanopistoille, työkkärille, päiväkodeille ja yliopistolle. Kaikille avoimena laitoksena kirjasto on sivistyksen ja oppimisen tärkein kivijalka. Kirjastosta on tullut tiedon säilyttäjä, ja se pyrkii yhä aktiivisemmin myös jakamaan sitä. Näin se taistelee tietämättömyyttä ja tyhmistämistä vastaan. Näin se asettuu poikkiteloin yhteiskunnan ylimmän portaan arvojen ja toiveiden kanssa.

Ex Libris onkin täydellistä vastalääkettä Daniel Quinnin lanseeraaman "kulttuuriäidin" pauhuksi yltymään käyvälle kuiskeelle. Amerikkalaiset eivät ole tyhmiä tai henkisesti laiskoja, vaan uteliaita ja tiedonhaluisia. Joka ikinen äänessä oleva artikuloi sanottavansa hämmästyttävällä selkeydellä ja kaunopuheisuudella kirjastonjohtajasta puhepiiriläiseen. (Myöskin jokainen tanssikurssin kasikymppisistä rouvista tanssii paremmin kuin minä.) Wisemanin elokuvissa on vain aniharvoja kuvia, joissa ei näy ihmistä; niinpä Ex Libriksessä kuullaan mahtava kavalkadi puheita ja puheenvuoroja, ja jokainen niistä tuo uuden palan mosaiikkiin. Tämä voisi olla puuduttavaa, mutta Ex Libris ei ole puuduttava, se on vain pitkä. Eikä pituus ole muuta kuin aikaa. Tässä tapauksessa hyvin käytettyä aikaa.

Ex Libriksen näyttämä amerikkalaisten esiintymiskyky kytkeytyy varmasti ko. kulttuuriin. Amerikkalaisia ei kasvateta ujoiksi, ja he saavat jo vauvasta asti mallia medialta, miten esiintyä muiden edessä. Wisemanin teosta voi tarkastella myös tutkielmana puhetaidosta ja sen eri ilmenemismuodoista. Toisaalta täytyy pitää mielessä, että Ex Libris näyttää Yhdysvalloista vain pienen siivun; näkökulma ansaitsee silti nousta esiin Fox Newsin propagandan alta, ja on elintärkeää, että se nousee.

Ex Libristä katsoessa kokee järkyttyneenä, että ei tiedä edes kirjastosta mitään, vaikka olen joskus ollut sellaisessa töissäkin. Wiseman paljastaa kulissien takaa sen valtavan näkymättömän työn, mitä puolentoista Suomen kokoista väestöä palveleva NYPL tekee tiedon ja kulttuurin säilyttämiseksi. Arkistointi vaatii sinnikkyyttä ja ammattitaitoa. Hypnoottinen on kohtaus studiossa, missä nauhoitetaan äänikirjaa. Virheettömästi lausuvan lukijan ja hänen äänittäjänsä pikkutarkkaa professionaalisuutta seuraa kuin suggeroivinta draamaa. Äänihuoneen lampun päästämä pienen pieni niksahduskaan ei saa päästä nauhalle.
Image result for ex libris movie
Elokuvan tärkein kulissien takainen juonne liittyy rahoitukseen, joka järjestyy eri lailla kuin Suomessa. Liki puolet NYPL:n budjetista koostuu filantropistien lahjoituksista. Se on meikäläisestä näkökulmasta erikoinen järjestelmä, ja Wiseman avaa sitäkin ajatuksia herättävästi.

Wisemanin omat painotukset näkyvät alusta lähtien. Elokuva alkaa Richard Dawkinsin haastattelutuokiolla, missä teema tiedon merkityksestä ihmiskunnan majakkana astetaan kivijalaksi. Wiseman ei kuitenkaan käy uskontoa vastaan, vaan jatkaa toiseen suuntaan: rasismiin. Toistuvasti Ex Libris kuvaa vähemmistöjä, etenkin afrikanamerikkalaisia, keskustelemassa kirjastossa siitä, miten virallinen historiankirjoitus vaikuttaa heidän jokapäiväiseen arkeensa. Samalla elokuva osoittaa kirjaston valtavan merkityksen yhteisöjen luojana ja ylläpitäjänä. Kuten NYPL:n johtaja ilmoittaa vakaumuksenaan, kirjasto on aidosti demokraattinen, kaikille avoin laitos.

Vaikka onkin viime vuoden tärkeimpiä elokuvia, ei Ex Libris ehkä muotonsa puolesta nouse aivan Wisemanin huipputöiden joukkoon. Koska Wiseman vaatii katsojaltaan poikkeuksellista huomiokykyä, kiinnittyy huomio yksityiskohtiin, jotka käyvät häiritseviksi. Tällaisiin lukeutuu kameramiehen kömpelyys esimerkiksi fokusta kesken otoksen tarkentaessaan tai rajausta muuttaessaan. Digitaaliseen tallentamiseen katoaa jälleen jotain olennaisen vitaalia maailmasta. Wisemanin varhaisemmat teokset väreilivät tavalla, jolla kuva Ex Libriksessä ei väreile.

Vaikka Ex Libris saattaa tuntua pituudessaan ja skaalassaan isolta elokuvalta, on Frederick Wisemanin visio vielä valtavampi. Kirjastoelokuva on vain yksi luku elämäntyössä, jonka kokonaiskuva hahmottuu toisiaan tukevista osista. Frederick Wiseman on käynyt säntillisesti läpi lähes koko yhdysvaltalaisen yhteiskuntarakenteen tavalla mihin kukaan toinen dokumentaristi ei ole pystynyt. Se on juuri sellainen aarre, jonka säilyttämiseksi jälkipolville kirjasto on luotu.

DocPoint 2018: Ovia Kamtsatkasta Serbiaan

Irina Zhuravlevan ja Vladislav Grishinin Kamchatka Bears, Life Begins (Kamtsatkan karhut, elämä alkaa)
Mila Turajlićin Druga strana svega ("Kaiken toinen puoli")

Image result for kamchatka bears life begins

Festariviikkoon mahtui sentään yksi luontodokumenttikin. Kamtsatkan karhut on DocPointille komea kaappaus, sillä elokuva sai siellä maailmanensi-iltansa. Perussympaattinen seurantadokumentti näyttää 7 kuukauden ajan, mutta vain 52 minuuttia yhtä ruskeakarhuperhettä. Kamtsatka sijaitsee meistä katsottuna kaukana perä-Siperiassa - se on juuri sitä seutua, jota Sarah Palin jatkuvasti kiikaroi terassiltaan. Venäläisdokumentin hellyttävät päähenkilöt pysyvät kyllä suojassa Amerikan tädin haukankatseelta.

Kamtsatkassa karhut pysyvät ihan periaatteesta suojassa kaikkien ihmisten katseelta, sillä heidän elinympäristönsä on suojeltu. Venäläiskaksikon elokuvan suurin arvo on yksinkertaisesti tämän maailmankolkan ja näiden eläinten tallentamisessa jälkipolville. Muuten sen elokuvalliset ansiot jäävät väiteltäviksi.

Kamtsatkan karhut haluaa vimmatusti olla (mielellään henkeäsalpaavan) kaunis, mutta se on pikemminkin vain nätti; nätti samalla tavalla kuin National Geographicin luonto-ohjelmat tai Enyan levy. Superterävä, jälkikäsitelty HD-kuva siivoaa luonnosta pois kaaoksen ja virheet idealisoiden usein raa'at olosuhteet kuvakirjamaiseksi epäaitoudeksi. Pehmeä ambient-musiikki tuudittelee loputkin katsojat paksuin viltein vuorattuun kehtoon, jonne eivät yllä hallin haukku, metsämiehen pyssy eikä kognitiivinen dissonanssi. Mutta onhan nallet söpöi.

Image result for druga strana svega

Toista maata on serbialaisen Mila Turajlićin "Kaiken toinen puoli". Se voitti pääpalkinnon IDFAssa - "dokkari-Cannesissa" - ja syyn voi ymmärtää. Turajlićin äiti on maan poliittisia johtohahmoja vielä nytkin, valokeilasta pois astuttuaan. Hänen kauttaan ohjaaja luo selkeän ja tarkkanäköisen katsauksen Jugoslavian sotaan ja Slobodan Milosevićin ajan kaoottiseen Serbiaan. Maan poliittisen elämän keskiössä yli sata vuotta elänyt Turajlićin suku edustaa rauhan puolesta puhuvaa vasemmistoidealismia, jolle maan lähihistorian ja nykyhetken todellisuus on niin kova pala, että elokuvassa puhutaan toistuvasti muille maille muuttamisesta.

Tyttären ohjaus ei ole millään lailla visionääristä, mutta se on jäntevää, hienosti keskustelevaa ja älykästä dokumenttielokuvaa. Ja henkilökohtaista. Ohjaaja pysyy kaiken aikaa lähellä kohdettaan, eli perhettään: se mikä tapahtuu paksunahkaiselle äidille, koskettaa tytärtäkin. Usein se on kipeää. Humanismi joutuu jostain syystä perustelemaan itsensä kovan linjan nationalisteille, jotka täysin absurdisti vetävät äidin oikeuteen syyttäen tätä "maanpetoksellisuudesta". Pääministeriksi nousee 48 %:n kannatuksella Milosevićin entinen tiedotusministeri. Maan syviä rivejä on vaikea ymmärtää. Dokumentti valottaa syitä tähän.

"Kaiken toinen puoli" ei aiheestaan huolimatta ole ahdistava tai dramaattinen. Mila Turajlićin kerronta on maanläheistä ja naturalistista. Yksi tarinan päähenkilöistä on perheen koti. Teos kiertyy keskeisen symbolinsa ympärille: oveen, joka on pysynyt lukittuna aina toisen maailmansodan jälkeen tapahtuneen kommunistisen vallankumouksen jälkeen, muistutuksena siitä, miten helppoa on ummistaa silmänsä historialta.

sunnuntai 4. helmikuuta 2018

DocPoint 2018: All Hail Michael Bambihill

Giovanni Totaron Buon inverno ("Hyvää talvea")
Mika Kaurismäen Ryhmäteatteri
(Véréna Paravelin ja Luvien Castaing-Taylorin Caniba)

Onko festivaalien huonoin elokuva löytynyt? Ranskalaisen ohjaajakaksikon muotokuva japanilaisesta kannibaalista, Caniba, on poikkeuksellisen epäonnistunut. Pyrkimystä persoonalliseen, katsojan haastavaan muotoon löytyy, se vain on matkan varrella muuttunut sietämättömän teennäiseksi ja tärkeileväksi kvasi-provoiluksi, jonka loputtoman pitkät haahuiluotokset kumisevat tyhjyyttään kertomatta edes metaforan tasolla mistään mitään. Jätin ne muiden kiusana kankaalla lillumaan puolivälin tienoilla.

Image result for buon inverno totaro

Täysin onnistunut ei ole palermolaista rantaparatiisia leppoisasti kuvaava "Hyvää talveakaan". Silmää miellyttävästi kuvattu "Hyvää talvea" on kuin postikortti. Sitä on kiva katsella, mutta kääntöpuolelta ei löydy oikein minkäänlaista pointtia tai punaista lankaa. Nuoren ohjaajan kokemattomuus loistaa silkoisen pinnan alta siinä, miten hän ei osaa kertoa rantalomaa viettävistä italialaisista mitään ihonalaista. Ehkä pyrkimyksenä oli tehdä satiiria Ulrich Seidlin tyyliin, mutta siihen eivät rahkeet vielä riitä.

DocPointin kunniavieras on Aho & Soldan -elämäntyöpalkinnon saaja Mika Kaurismäki. Parin vaisun vastaanoton saaneen fiktion jälkeen Mika on työstänyt Ryhmäteatterissa jotain selvästi pirteämpää. DocPointin kunnianosoituksesta silmin nähden otettu auteur painoi vielä aivan maailmanensi-illan aattona pitkää päivää saadakseen projektin festivaaliyleisön silmien eteen.

Image result for mika kaurismäki

Lopputulos herättää kysymyksiäkin, mutta on vastaanpanemattomasti nautittava, viihdyttävä ja hauska Ryhmiksen 50-vuotisjuhlaelokuva. Dokumentti lähtee välittömästi täydellä höyryllä liikkeelle eikä energia missään vaiheessa hyydy. Ensi-iltayleisö kiittikin useaan otteeseen elokuvan notkeaa leikkausta ja hyvästä syystä. Kaurismäki on koko uransa tehnyt läheistä yhteistyötä Ryhmäteatterin näyttelijöiden kanssa ja on projektille ihanteellinen ohjaaja, jonka seurassa haastatellut rentoutuvat. Siitä syntyy ääneen naurattavia muisteloja ja anekdootteja Karien Heiskasen ja Väänäsen, Pirkka-Pekka Peteliuksen, Vesa Vierikon, Arto af Hällströmin, Martti Suosalon, Mika Myllyahon, Esa Leskisen, Juha Kukkosen ja monien muiden kanssa.

Edellä mainitussa listassa saattaa jokin pistää silmään. Kyllä, Ryhmäteatterissa puhutetaan naisiakin, mutta dokumentti on selvästi miespainotteinen. Varsinkin saa siitä sen kuvan, että Ryhmäteatterin veturina on aina toiminut karsimaattinen miestähti tai -ohjaaja. Leena Uotila, Ulla Tapaninen ja erityisen tärkeä Raila Leppäkoski, muiden ohessa, jäävät kyllä sivulehtereille. Sitä, missä määrin oikeutettua tämä on, en ole pätevä arvioimaan. Mutta se, että vene on tällä tavalla kallellaan kielii Ryhmäteatterin tietystä pinnallisuudesta. Kaurismäki käy komealla laukalla läpi Suomen vanhimman vapaan teatterin kronologiaa, mutta persoonalliset kysymykset jäävät kysymättä. Henkilökemiallisiin kitkoihin korkeintaan viitataan diskreetisti, mutta kulissit eivät sitttenkään aukene yleisölle. Missä on draama, missä riidat? Missä ovat näin tiiviiseen yhteisöön kuuluvat yhden yön harha-askeleet ja harkkojen raivokohtaukset, jotka laannuttuaan ovat vahvistaneet yhteishenkeä? Missä hiki?

Poissaolollaan loistavat myös vertailut muihin vapaisiin teattereihin ja siihen, mitä niissä tehtiin eri lailla, sekä yleisön näkökulma. Edes arkistomateriaalissa ei nähdä aikalaiskommentteja välittömästi jonkin Ryhmiksen päänavauksen jälkimainingeissa. Ja vaikka Ryhmistä vihanneesta Jukka Kajavasta puhutaankin, puuttuu kuvasta oikea (itse)kritiikki. Vieläpä Ryhmiksen modus operandia status quon haastajana olisi voinut syventää, vaikka reaktio pinttyneisyyksiin ja muutoshalu käyvätkin selväksi.

Ryhmäteatteri tuntuukin kaikessa yleisöystävällisyydessään tehdyn erityisesti Ryhmäteatterin faneille. Ne, joilla ei ole ollut onnea nähdä koskaan Ryhmistä tosi toimissa lavalla, saavatkin syyttää itseään. Koskaan ei silti ole myöhäistä. Ryhmäteatteri on edelleen voimissaan, ja Mika Kaurismäen historiikki sopii sekä vasta-alkajille että edistyneille. Maagiset loppukuvat Muodonmuutoksesta jättävät elokuvista poistuvalle teatterikuumeen.

lauantai 3. helmikuuta 2018

DocPoint 2018: Festareiden "dat film"?

Theo Anthonyn Rat Film
Image result for rat film documentary

"There has never been a rat problem in Baltimore. There was always a human problem."

Tämä elokuva ei oikeasti kerro rotista, vaan se kertoo ihmisistä. Tämän se tekee tavalla, joka kertaheitolla nostaa Theo Anthonyn tuntemattomuudesta kiinnostavien uusien amerikkalaisdokumentaristien kärkijoukkoon.

Anthony ymmärtää dokkarin tekemisestä paljon. Sen, että dokun tekeminen ei ole vain kameran napsauttamista päälle ja ympäristön kuvaamista ilman näyttelijöitä; sen, että dokumenttielokuvan voi suunnitella yhtä huolellisesti kuin fiktionkin; ja sen, että dokkari taipuu omaa persoonaa myötäilevään hahmoon.

Anthonyn aihe on Baltimore, kaupunkina Helsingin kokoinen, metropolina kaksi kertaa isompi perinteikäs satamakaupunki. Tänne sijoittuvat kaikki John Watersin elokuvat, ja Waters epäilemättä osaisi arvostaa Anthonyn visionääristä teosta. Kaiketi tuo amerikkalaisen vaihtoehtoelokuvan suuri originelli arvostaa rottiakin.

Rat Film on läpeensä sosiologinen elokuva. Anthonyn perusoivallus on rinnastaa rottayhdyskunta ja ihmisyhdyskunta toisiinsa elokuvan keinoin. Tämän hän tekee usein nerokkaalla tavalla. Se, että nämä neronleimaukset nousevat esiin siellä täällä, tekee ironisesti elokuvasta hieman epätasaisen. Joka tapauksessa, tässä meillä on silmiemme edessä dokumentti, joka tempaa katsojan mukaansa puhtaan elokuvallisesti. Errol Morrisin varhaisista töistä vaikutteita saanut Rat Film käyttää geometrisia kompositioita yhdessä direct cinema -ilmaisun kanssa limittäen mukaan asiakirjoja ja jopa tietokonepeligrafiikkaa viedäkseen sanomansa perille. Ääniraidan valtaa kliininen, lähes robottimainen naisääni, joka sitoo elokuvan lukuisat langat yhteen. Mistä siis on kyse?


Rattus norvegicus, isorotta, on elokuvassa kuvattujen intohimo. Sitä metsästetään (pesäpallomailoin, itse tehdyin kiväärein ja virvelein!), myrkytetään ja hellitään lemmikkinä. Sympaattisen tuholaishävittäjän asiakkaille rotta on ongelma, mutta rotta paljastuukin ongelmaksi, joka peittää isomman ongelman. Anthony esittää vakuuttavan teesin, että rottainfestaatio vaikuttaa lähinnä köyhimmissä kaupunginosissa. Nämä kaupunginosien väliset erot on tietoisesti suunniteltu vuosikymmeniä sitten valkoisten miesten toimesta.

Rat Film on elokuva luokkayhteiskunnasta, missä yhdet ovat tasa-arvoisempia kuin toiset. Kaikki Anthonyn kuvaamat ihmiset kurjina säilytetyissä naapurustoissa ovat kouluttamattomia ja tyhmiä. Silmiinpistävää on rajoittunut sanavarasto ja mielikuvituksen puute. Poikkeuksen muodostaa yhdistävänä tekijänä joviaali myrkyttäjä, joka tietää elämästä enemmän kuin antaa alkuun ymmärtää. Anthonyn pinnan alainen väite on, että joku haluaa pitää nämä ihmiset tyhminä omien etujensa tähden.
Image result for rat film documentary
Suggeroiva Rat Film kaivaa historiasta päivänvaloon rottatutkimuksia, joissa sosiologit ovat tutkineet ihmispopulaation hallintaa ja ihmisten käyttäytymistä rajatuissa olosuhteissa. Rotat, älykkäät ja valppaat jyrsijät, tulivat hulluiksi. Baltimoressa tehdään ällistyttävä määrä murhia. Asukaslukuun suhteutettuna neljä kertaa enemmän kuin "murhapääkaupunki" Chicagossa. Anthony vieraileekin toteavine kameroineen baltimorelaisessa laitoksessa, jossa moderni rikospaikkatutkinta syntyi. Kun kaupungin suuri poika, veteraaniohjaaja Barry Levinson lähti luomaan tv-klassikkoa, hän pisti nimeksi Homicide.

Helsingissä tehtiin vuonna 2015 murhia 7 kappaletta. Samana vuonna Baltimoressa niitä tehtiin eniten kaupungin historiassa. Murhia kertyi kalenterivuodessa 344. Näistä uhreista 321 oli mustaihoisia.

Rottia vastaan on taisteltu Baltimoressa kaikin keinoin, kaikissa yhteiskuntaluokissa vuosikymmeniä. Ne eivät ole hävinneet minnekään. Vika ei ole keinoissa, vaan järjestelmässä. Oiretta on turha hoitaa silloin, kun sairaudesta ei edes puhuta.

Rat Film puhuu. Mahtava elokuva.

perjantai 2. helmikuuta 2018

DocPoint 2018: Sellaista elämä on

Shevaun Mizrahin Distant Constellation ("Etäinen tähtikuvio")
Image result for distant constellation

Vain parikymmentä sielua oli kerääntyneenä lunta pyryttävänä päivänä Kiasman teatteriin yhteen festivaalin sydämellisimmistä näytöksistä. Ei levottomuutta, ei kahinaa, ei rapinaa; vain vilpitöntä kiinnostuneisuutta muutamaa turkkilaista vanhainkodin asukkia kohtaan. Yleisön antaessa hänelle mahdollisuuden, elokuvantekijä pystyi tässä keskittyneessä, aidosti uteliaassa ilmapiirissä luomaan siltoja kahden toisilleen etäisen maan ihmisten välille elokuvan välityksellä. Ilman spektaakkelia, ilman draamaa, samalla tavalla kuin elämässä ihmiset esitellään toisilleen.

Turkkilaisella dokumenttielokuvalla menee tällä hetkellä hyvin. Vuosi sitten DocPointin kohokohtien joukkoon nousi istanbulilaisia kissoja kuvaava, totaalisen ihana Kedi. Mistä johtuukaan, että poliittisesti pakkopaitaisimmissa maissa syntyvät tämän hetken inhimillisimmät elokuvat? Amerikanturkkilaisen valokuvaajan Shevaun Mizrahin ensimmäinen pitkä elokuva on kaikessa sympaattisessa vaatimattomuudessaankin pelkkää sydäntä ja pyrkimystä päästä likelle ihmistä.

Loistavaa otsikkoa kantava "Etäinen tähtikuvio" käsittelee aikaa, sitä miten se kuluu ja miten se kuluttaa. Istanbulilaisessa vanhainkodissa aika tuntuu pysähtyneen ja silti sen jättämät jäljet näkyvät Mizrahin kuvaamissa ihmisissä. Sen paremmin asukkailla kuin ohjaajallakaan ei ole kiire. Kaikki kulkevat samaa vauhtia saman ajan kyytiläisinä. Tapaamme ottomaanien suorittaman armenialaisten kansanmurhan silminnäkijän - "Etäinen tähtikuvio" kertoo myös Kronoksen veljestä, Historiasta. Vaikuttava, huolellisesti veistetyin lausein puhuva 100-vuotias rouva torkahtelee kesken jutun, hitaasti kuin robotti, jonka akku hyytyy. Merkillistä, miten inhimillisiltä me vaikutamme muistuttaessamme konetta... Kuten runoilija Różewicz sanoo, tämäkin vanhus on arvokkaampi kuin kaikki ihmisen tekemät esineet. Ihmiselämä on mittaamattoman arvokas. Sen arvo on ääretön. Siksi kaksi elämää ei ole arvokkaampi kuin yksi eikä kukaan voi laittaa kenenkään puolesta hintalappua ihmishengelle.

Toisaalla kaksi ystävystä on keksinyt juttutuvan laitoksen hissistä. Sinne rauhaansa piiloutuneina he huristavat kerroksesta 3 kerrokseen -1, ylös-alas, ylös-alas. Ja juttu luistaa. Henkesi haiskahtaa, ystävä hyvä, ottaisit eucalyptus-pastillin. Unohtui huoneeseen. Niin, niin... Keittiön hölmöläinen nimesi lintunsa Yolandaksi. Mikä nimi! Hississä sopii jutella kenenkään kuulematta. Kuten aika, hissikin liikkuu, mutta ei vie minnekään. Sellaista on elämä, sanoo hän, jonka henki ei haise.

Talon viereen rakennetaan toista, valtavaa. Mizrahi nappaa kamerallaan kiinni nuoresta rakennusmiehestä, joka on vasta vanhainkotiin johtavan tiensä alussa ja koittaa imeä kaiken vanhemman kollegan elämänohjeista.

Resignoituminen ei ole vallannut vielä aivan kaikkea. Vallankumouksellisuus yllättää päätään pilkistäen siellä täällä. Kaksi toverusta puhkeavat Marseljeesiin, toisaalla konkaripianisti pauhuttaa ilmoille Chopinin Vallankumousetydin. Nykyaika ei ole vielä voittanut eikä muutoksen liekki sammunut. Kuten eivät etäisten taivaankuvioiden tähdetkään.

Mizrahi omistaa elokuvansa sen valmistumisen aikana pois nukkuneille. Heitä on neljä.

torstai 1. helmikuuta 2018

DocPoint 2018: Phie Ambo

Phie Ambon Mechanical Love
ja Äiti Maan antimet (Så meget godt i vente)
Image result for phie ambo

Tanskalainen Phie Ambo (s. 1973) vierailee Helsingissä DocPointin päävieraana, pienen retrospektiivin esitellen.

Dokumentaristina Ambo on aito elokuvantekijä, ja sellaisena sukua hienoimmille suomalaisille naiskollegoilleen. Hänen tuotantoaan voisi katsoa rinta rinnan esimerkiksi Katja Gauriloffin, Kiti Luostarisen tai Pirjo Honkasalon ohjausten kanssa. Tämä ei tarkoita sitä, etteikö Ambolla riittäisi yllin kyllin persoonallisuutta. Siitähän oikeat elokuvantekijät on tehty.

Hauskan ristiriitaisesti Japanissa, Saksassa ja Tanskassa kuvattu Mechanical Love (2007) kertookin persoonattomuudesta. Tai epäpersoonasta: Mechanical Loven aihe on robotiikka.

Professori Hiroshi Ishiguro rakentaa geminoideja, mahdollisimman täydellisesti ihmistä ulkonäöltään ja liikkeiltään imitoivia robotteja. Hänen silmäteränsä on assosiaatioita kreikkalaiseen tarustoon avaava kopio omasta itsestään. Voiko alakouluikäinen tytär samastua robottiin kuin isäänsä? Varsinkin kun professorin itsensä persoonallisuus tuntuu hiljalleen kadottavan inhimillisimmät piirteensä.
Image result for mechanical love

Mechanical Love ei oikeasti kerro roboteista, vaan se on elokuva ihmisistä. Samaan aikaan, kun japanilaisprofessori yrittää ratkaista luonnollisen hymyn ongelmaa, saksalaisessa vanhainkodissa hurmaava rouva löytää lohdun yksinäisyyteensä paijaamalla myös Japanissa kehitettyä robottikuuttia. Lempeästi Ambo ohjaa katsojaa kysymään, miksi laitokseen muilutettu rouva joutuu etsimään seuraa tekoälynukesta - ja toisaalta, mitä pahaa siinä on? Rouvalle kelpaa kyllä. Samalla ajaudutaan suurempienkin kysymysten äärelle: mitkä lopulta ovat ne taustatekijät - tiedostamattomat tai tiedostetut - jotka herättävät ihmisessä intohimon robotiikkaan?

Viisaasti Ambo välttää syöttämästä valmiiksi pureskeltuja vastauksia. Samalla tästä tasapainoisin kuvin (Orionissa esitettiin poikkeuksellisen huonolaatuinen digitaalinen kopio...n kopion kopio...) etenevästä, tarkkaan kontrolloidusta elokuvasta tuntuvat ironisesti puuttuvan ratkaisevat sydämenlyönnit, jotka jäisivät elämään katsojassa jälkeenpäin. Mene tiedä miksi. Joka tapauksessa, elokuvan ansioihin kuuluu edelleen aliarvostetun, kymmentä tuomaskantelista vastaavan Sanna Salmenkallion täydellisesti natsaava musiikki.

Festivaalin viidestä elokuvasta jo kaksi on kertonut lehmistä. Näistä vuonna 2014 valmistunut "Niin paljon hyvää edessä" saattaa olla Phie Ambon pääteos. Ainakin se on hänen katsotuimpansa. Ja kovin hyvä elokuva onkin.

Ambon lehmäelokuva on täydellinen vastakohta ja täydellistä vastalääkettä Andreas Pichlerin luotaantyöntävälle maitoleffalle. Siinä missä Pichler saarnaa, Ambo ottaa katsojaa pehmeästi kädestä ja kuljettaa mukanaan. Tämän hän tekee tietysti kuvan kautta, koska tämä on elokuvaa.
Image result for så meget godt i vente

Todella kaunis, todella inhimillinen, todella lehmäillinen Äiti Maan antimet paneutuu (sanan painokkaimmassa mielessä) Niels Stokholmin (s. 1933) elämäntyöhön Tanskan ensimmäisenä biodynaamisena farmarina. Ambo vietti 2½ vuotta Stokholmin tilalla, minkä ansiosta elokuva on aihettaan harvinaisen syvästi ymmärtävä. Vuodesta 1975 maatilaansa luonnonmukaisesti ja luonnon ehdoilla hoitanut lehmipoika osoittaa Ambon elokuvassa monien esimerkkien kautta, mitä tehotuotanto on ymmärtänyt väärin (kaiken) ja mitä olemme unohtaneet karjankasvatuksen historiasta (valtaosan). Luutuneet käsitykset teholannoitteiden ihanuudesta ja karjankäsittelyn standardeista näytetään käytännössä harhoiksi. Tärkein Stokholmin opetuksista on sen ymmärtäminen, miten tärkeää on rakastaa eläimiä, jotka meidät ruokkivat. Stokholm ottaa kaikessa tekemisessään huomioon lehmän näkökulman. Tämä tuottaa ihmisravinnoksi parempaa lihaa, parempaa juustoa, parempaa oloa.

Ne lehmät, ne ruokitaan ruoholla ja heinällä eikä sademetsiä hävittävällä soijalla. Kun lehmä ryyppää, se kittaa vettä 50-70 litraa, mikä riittää pidemmäksikin aikaa. Ja sen veden lehmä muuttaa neljässä vatsassaan ruohon kanssa maidoksi. Käy myös ilmi, että lehmän sarvilla, jotka huolettomasti pätkäistään tieltä pois, onkin tarkoituksensa lehmän ruokahalun säätelemisessä. Kyllä ihminen on tyhmä. Kun lehmän ruokailusta on huolehdittu, voi lehmä pitää huolta ihmisen ruokailusta: Stokholmin tilan tärkein yhteistyökumppani on noin vaan vaatimattomasti kööpenhaminalainen kolmen Michelin-tähden ravintola Noma, maailman parhaaksi valittu.

Tässäkin elokuvassa Phie Ambo panostaa musiikkiin: sen on säveltänyt islantilainen huippu Jóhann Jóhannsson. Foley-äänistä vastaa Heikki Kossi.

Kun Äiti Maan antimet tuli levitykseen Tanskassa, se teki valtiomiestason vaikutuksen ja oli osaltaan saamassa aikaan isoa muutosta kestävään kehitykseen pohjaavan maatalouden tukemisessa. Iloa kesti puolisen vuotta, kunnes tanskalaiset äänestivät oikein, ja uusi hallitus palautti vanhat linjaukset kyseenalaiseen kunniaan. Niels Stokholmia se ei pysäyttänyt.

keskiviikko 31. tammikuuta 2018

DocPoint 2018: Got milk?

Andreas Pichlerin Das System Milch ("Maitosysteemi")
Gustavo Salmerónin Muchos hijos, un mono y un castillo ("Paljon lapsia, apina ja linna")

Parempaa on tulossa, mutta tämänvuotinen dokumenttikatsaus pääkaupungissamme alkoi Monroen kirjeenvaihtajan osalta heikoissa merkeissä. Ehkä festivaalin dramaturgian kannalta on hyväkin aloittaa mäen alta?
Image result for das system milch
Leffan hienoin kuva on sen juliste


Saksalaisen Andreas Pichlerin, köyhän miehen Herzogin, pinnalta sliipatussa elokuvassa on tärkeä aihe. Olipa toteutuksesta mitä mieltä tahansa, tekee Pichlerin propaganda selväksi, että globaalin maitotuotannon asiat ovat kerrassaan kehnolla tolalla. Aivan tolkulliset, koulutetut ja fiksut pohjoismaalaiset maitofarmarit puhuvat nisäkästovereistaan lehmistä hyödykkeinä ja tavaroina. Mutta kuten Pichler näyttää, ei vika ole heissä, vaan koko "maitosysteemissä", jossa farmarit ovat meijereiden orjia siinä missä lehmät farmareiden. Tämä johtaa rakenteelliseen epäinhimillisyyteen, mistä yhtenä esimerkkinä tuotantolehmien keski-iän laskeminen kahdenkympin korvilta viiteen vuoteen.

Tämä kaikki on tärkeää ja hyvää. Mutta "Maitosysteemi" on tarkoitettu elokuvaksi eikä kirjaksi. Ja tässä kohdin katsojalle tulee stoppi. Nimittäin, Pichler ei ymmärrä mitä elokuva on.

Ensi vilkaisulla kaikki tuntuu olevan kunnossa. Kuva on siisti, kaiuttimista kuuluu musiikkia, leikkaajakin on palkattu ja varsinkin värimäärittely miellyttää silmää. Pichler siis tietää, mistä aineksista elokuva rakennetaan - hän ei vain tiedä, miten näitä aineksia käytetään. Teokseen syvemmin uppoutuessaan huomaa pian, että leikkaus on yhtä siisti kuin tasapaksu, kerrontaa kuvittavaa musiikkia työnnetään joka väliin eikä Pichler osaa luoda orgaanista yhteyttä yhteenkään haastattelemaansa. Lehmistä nyt puhumattakaan. Vakavin virhe on ohjaajan päätös toimia kertojanäänenä myös kansainvälisessä versiossa. Ylihuolellinen, mutta silti murtava englanti saa Pichlerin kuulostamaan huumorintajuttomalta Herzogilta. Ja koska ohjaajan tosikkomaisesta tekstistä puuttuu herzogilainen persoonallisuus, saa havaita elokuvan sijaan seuraavansa luentoa, jossa on tosi hieno powerpoint-esitys. Koska en ollut ostanut lippua sellaiseen, poistuin luokkahuoneesta tunnin jälkeen.
Image result for muchos hijos pelicula
Gustavo Salmerónin amatöörimäinen muotokuva yli kasikymppisestä äidistään ei ole paljon parempi, mutta Pichlerin tarjontaan verrattuna se on sentään sympaattinen, mikä johtuu siitä, että ohjaaja pääsee kuvattaviensa iholle.

Salmerón ei osaa tehdä elokuvia ja tietää sen. Hän yrittää kosiskella yleisöltä sympatiaa jättämällä lopulliseen leikkaukseen energisen äitinsä viittaamassa poikansa kuvauksiin "kotivideona". Ymmärrettävää, mutta ei pyyhi pois tosiasioita. Elokuva on selvästi tehty ilman käsikirjoitusta, muutaman idean pohjalta vaatimattomalla kalustolla (linssi on usein silmiinpistävän likainen). Ohjaajan kokemattomuudesta johtuu, että hänen terävät ideansa eivät puhkea kukkaan.

Sinänsä kiinnostavasti "Paljon lapsia..." alkaa pojan muotokuvana äidistään, entisestä francolaisesta, joka keski-ikäisenä saa massiivisen perinnön. Elokuvan nimi viittaa Julita-äidin kolmeen toiveeseen elämältä: perinnön turvin Julita saa ostettua oman linnan. Tästä alkaa leffan kiinnostavin juonne, kun Espanjan talouskriisi köyhdyttää uusrikkaan matriarkankin. Valitettavasti Salmerón ei kykene pintatasoa syvempään analyysiin ja juttu jää puolitiehen.

Lopputulos on...kotivideo.

maanantai 2. helmikuuta 2015

DP15: Museoitu

DocPoint 2015, viimeinen päivä, osa 2



Oeke Hoogendijkin ohjaama The New Rijksmuseum (Alankomaat, 2014) ei voi millään olla huono. Väitteen voi nimittäin todistaa vastaansanomattomasti faktaksi: elokuva saa polkupyöräilijän vihaamaan polkupyöräilijöitä. Siihen pystyvässä elokuvassa täytyy de facto olla jotakin erityistä. Tuttava julisti sen ykskantaan festivaalin parhaaksi elokuvaksi.

Hoogendijkin pirullisen ironinen elokuva on painajaismainen komedia - tai komediallinen painajainen - museosta, joka sulki ovensa ja kokoelmansa kymmeneksi vuodeksi. Eikä mikä tahansa museo, vaan Amsterdamin Rijksmuseum, Alankomaiden kansallismuseo, Länsi-Euroopan helmi, jolla on maailman laajin kokoelma ylistettyä hollantilaista kulta-ajan taidetta. Rembrandtin Yövartio. Seitsemän miljoonaa muuta taide-esinettä. Kun maan kansallisylpeyden monumentti päätettiin 120 vuoden jälkeen remontoida, olisi luullut, että hanketta olisi juoksutettu eteenpäin yhteisen hyvän nimissä mahdollisimman jouhevasti. The New Rijksmuseum kertoo kuinka Isot Tärkeät Asiat voi junailla mahdollisimman päin helvettiä.

Viidestä kymmeneksi vuodeksi venynyt prosessi tuotti Hoogendijkille valtavasti materiaalia. Yksin polkupyöräilijöiden järjestämästä vastalausekampanjasta olisi voinut helposti tehdä parituntisen elokuvan. Polkupyörä - joka siis on yksi ihmiskunnan historian ylivertaisimmista keksinnöistä - on amsterdamilaisille pyhä. Rijksmuseumin erikoisuuksiin kuuluu, että sen läpi kulkee ns. kevyen liikenteen väylä. Renovointisuunnitelman mukainen pyöräkaistan kaventaminen sai kaikki Amsterdamin pyöräilijät takarenkailleen. Eikä ainakaan rakennuksen kiertäminen tullut kuuloonkaan. Pyöräkoalitio saikin suunnitelmat kaadettua nurin, minkä jälkeen arkkitehtien piti palata työpöytiensä ääreen. Mikä maksoi pari vuotta. Sitten suunnitelmiin puuttui kaupunkimaisemaa valvova lautakunta...

Tämä on vain pintaraapaisu. Vaikka siinä on omat puutteensa, on The New Rijksmuseum ennen kaikkea huikea poraus "sivistyneiden" ihmisten käsittämättömään kyvyttömyyteen puhaltaa yhteen hiileen egojen, narsismin ja pikkumaisuuden ristitulessa. Hoogendijk tyypittää "näyttelijänsä" herkullisesti. Löytyy pyrkyri, pomomies, monomaanikko, omahyväinen ekspertti, populisti. Paras "hahmo" on kaikin tuomariäänin Aasian paviljongin käsittämätön kuraattori, joka ei kaiken hyörinän ja pyörinän keskellä välitä muusta kuin kahdesta japanilaisesta jättiläispatsaastaan hellyyttävän lapsenomaisella putkinäköisyydellä.

Onhan suurhankkeita ennenkin tarkasteltu tällaisesta näkövinkkelistä, mutta terveellistä se vaan on saada silloin tällöin muistutus siitä, millaisia toopeja me olemme koulutuksen tasosta riippumatta. Tai millaisen Pandoran lippaan Ihminen rakensi byrokratian kehittäessään. Hoogendijkin elokuva on tietysti vahvoin vedoin luonnosteltu kertomus Rijksmuseumin odysseiasta, mistä mukaan on otettu vain kapea otanta. (Sitä ei esimerkiksi mainita, että Yövartio ja 400 muuta kokoelmien teosta oli jatkuvasti yleisön silmien saavutettavissa eräässä sivurakennuksessa.) Välillä se kompastelee ja harppoo saadakseen koko jutun kerrottua mielekkäässä ajassa, mutta saa paljon anteeksi silkan hauskuutensa ja terävyytensä ansiosta.



-----------------------------------------------------------------------------

YHTEENVETOA

Ison festivaalin voi kokea monella eri tavalla siitä riippuen, millaisen kokonaisuuden itselleen valitsee tai saa. Omat kymmenen ja puoli näytöstäni herättivät epäilyksen, etten osunut valinnoissani aivan tapahtuman kermaisimpaan palaan. Otanta antoi tämänvuotisesta festivaalista kovin synkän ja vakavan, lohduttomankin kuvan. Liian monet elokuvat olivat myös "ihan kivoja", vailla suuria ahaa-elämyksiä. Jälkeenpäin tuntuu, että liian moni "pakko nähdä"-elokuva jäi väliin. Onneksi meno parani loppua kohden ja viimeinen päivä oli ehdottomasti korkeatasoisin. Kellarissa ja The New Rijksmuseum täydensivät Muisteja-teoksen kanssa kolmikon, joka erottui muita päätä pitempänä.

Vastaanpanematonta iloa DocPointissa vuosimallia 2015 aiheutti Savoyn ihanan teatterin löytyminen osaksi esityspaikkakarttaa. Loistavaa!

Esitysten teknisestä tasosta voisi puhua pitkäänkin, mutta tiivistettäköön se tässä välttämättömimpään. Dokumenttielokuviin ei yleensä ole panna paljon rahaa, ja se näkyy nykyisissä olosuhteissa esityshetkellä. Nähtyjen elokuvien visuaalinen ulkonäkö herättää liian paljon kritiikin aihetta. Lähes kaikki elokuvat kärsivät liian kirkkaasta kuvasta, yliterävyydestä, pehmeiden tekstuurien puutteesta. Esteettinen vaikutelma on vaatimaton, nykyaikaista televisiokuvaa muistuttava. Tässä kevyen kaluston käsivarakuvauksen hetteikössä Im Kellerin kaltaiset visuaalisesti väripalettia myöten todella pitkälle mietityt teokset eivät vain nouse, vaan syöksähtävät esiin.

Nykyaikaisessa elokuvaelämyksessä "oma rauha" on hypoteettinen käsite, myös festivaaleilla. Äänekäs napostelu on pesiytynyt dokkarifestivaaleillekin, mikä aiheuttaa monenlaisia komplikaatioita ihan konkreettisesta katsomiskokemuksen häiriintymisestä sen ihmettelyyn, miten maailmassa joku voi katsoa dokumenttielokuvaa kansanmurhasta samalla popcornia mussuttaen. Ulrich Seidlin Im Kellerissä napostelijat eivät tajunneet edes elokuvan kirjaimellisesti hiljaista luonnetta. Eräs ääripään esimerkki puolirikollisesta yleisökäyttäytymisestä löytyy The New Rijksmuseumin sunnuntainäytöksestä, jossa joku otti valokuvia salaman kanssa. Ihmiset viihtyvät leffan parissa, josta ovat maksaneet kahdeksan euroa, ja joku päättää ottaa kuvia kankaasta? Tämä kansalainen on varas. Ja hyypiö.

Elokuviin pitäisi palauttaa taju muiden huomioon ottamisesta, mikä useimmissa sosiaalisissa tilanteissa ymmärretään itsestäänselvyydeksi. Etenkin festivaaleilla. Jonkun häiritsemänä harmittamaan jäänyt elokuvaelämys merkitsee paitsi kaivoon heitettyä rahaa, myös ainutlaatuisen tilaisuuden menettämistä.

DP15: Kellareita

DocPoint 2015, viimeinen päivä, osa 1



Ennakkoon Ulrich Seidlin Kellarissa (Im Keller, Itävalta, 2014) oli herättänyt monessa muussakin huolta siitä, kestäisikö sen katsoa, ylittäisikö se henkilökohtaisen festivaalimukavuusrajan liian reippaasti. Seidl tunnetaan älykkäistä, mutta säälimättömistä tutkimusretkistään eurooppalaisen keskivertoihmisen pinnan alaiseen jätekaivoon. Kellarissa herätti varmaankin yhtä monta reaktiota kuin salissa oli katsojia, mutta se ei tehnyt ohjaajansa uraan poikkeusta: se on sekä älykäs että säälimätön. Mutta vaikka elokuvassa on yksittäisiä kohtia, joissa mieluummin katsoo valkokankaan reunoille kuin keskelle, ei sitä ollut mitenkään mahdoton katsoa.

Kellarissa on tarkkaa ja harkittua käsityötä. Sen aihe on: mitä ohjaajan maanmiehet ja -naiset tekevät kellareissaan, piilossa puritaaniseksi tiedetyn yhteisön silmiltä? Kellareistaanhan Itävalta on lähimenneisyydessä tullut kuuluisaksi ikävimmillä mahdollisilla tavoilla. Tämä Seidlin olennainen metakommentti ei saa unohtua teosta katsellessa. Ohjaaja tuo kankaalle päällepäin tylsiä keskiluokan edustajia, lähinnä keski-ikäisiä miehiä ja naisia, jotka kellareihinsa sukeltaessaan kuoriutuvat niistä univormuistaan, missä he esiintyvät julkisesti ja muuttuvat omiksi itsekseen - tai ainakin niiksi persooniksi, jotka he kokevat omikseen.

Onhan se ihmeellistä, että joillakin elokuvantekijöillä on tuo erikoinen kyky saada ihmiset avautumaan heidän kameroilleen enemmän kuin usein edes omille perheenjäsenilleen. Seidl näyttää elokuvassaan niin intiimiä käyttäytymistä kuin kuvitella saattaa. Hän kuvaa nämä teot silmiinpistävän suoraan. Suurin osa otoksista on tehty liikkumattomalla, royanderssonmaisen tarkkaan sijoitetulla kameralla kuvan aiheen sijoittuessa täsmälleen keskelle. Mitään kultaisella leikkauksella kikkailua ei nähdä. Visuaalinen ilme on sekä silmää miellyttävä että kliininen, tieteellisen elokuvan muotoa muistuttava. Rekisteröivä kuvaustapa sallii armollisesti katsojan ottaa sopivaa etäisyyttä valkokankaan tapahtumiin silloin kun siltä tuntuu.



Ihmeellinen on myös se mekaniikka, millä ihmispsyyke - elokuvan varsinainen aihe - toimii, sillä kaiken järjen mukaan kuohuttavin ja suurimpia vastareaktioita aiheuttava "tarina" kuvaa noin kuusikymppistä miestä, joka rentoutuu rakentamassaan "natsihuoneessa", joka on täytetty natsiajan memorabilialla, arvokkaan näköisen Adolf Hitlerin muotokuvan hallitessa huonetta; mutta ei, kyllä tosi asiassa vaikeinta katsottavaa ovat jälleen kerran ne jaksot, jotka kuvaavat ihmisen seksielämää. Se on niin konkreettisella tavalla fyysistä. Tapaamme sekä naispuolisen masokistin että naispuolisen "valtiattaren", jolla on oma, vapaaehtoinen orja. Hekin suostuvat Seidlin järkähtämättömän kameran eteen täysin paljaina.

Kellarissa, objektiivisesti katsoen hieno elokuva, voi saada aikaan monenlaisia kokemuksia. Moni reagoi näkemäänsä nauramalla, ja mikäpä siinä, etenkin kun Seidlin otteessa on määrättyä ironista keveyttä. Minusta Kellarissa on surullinen elokuva. Seidl ei halua kuvattaviensa selittävän liikaa itsestään. Pinnan alta löytyy paljon ahdistusta etsimässä äärimmäisiä purkautumisteitä. Natsihuoneen rakentaja suoriutuu päivän velvollisuuksista systemaattisella ryyppäämisellä. Masokisti on kokenut äärimmäistä perheväkivaltaa. Vain syvä trauma voi saada ihmisen valitsemaan dominan orjan roolin. Vaikeasti määriteltävällä tavalla ehkä sääliä herättävin henkilö on nainen, josta saamme tietää vain tämän: joka päivä hän menee kellariinsa ja ottaa hyllystä esiin laatikon, jolle alkaa jo sitä avatessaan höpöttää. Laatikossa on designina valmistettu hyperrealistinen vauvanukke, jota nainen hellii ja jolle juttelee aikansa, kunnes laittaa sen laatikossaan takaisin hyllyyn.

Kellarissa herättää pohtimaan myös elokuvan yleisiä ehtoja. Mieltä kutkuttava havainto on se, ettei elokuvassa ole mitään, mitä ei olisi voitu lavastaa, rekonstruoida, näytellä tai kuvitella. Olisi paljon helpompaa ajatella, että tämä kaikki on vain fiktiota ja performanssia, että ihmiset eivät oikeasti tarvitse tällaisia pakokeinoja maailmasta. Kellarissa on mitä suurimmassa määrin ohjattu dokumentti, vastakohta direct cinemalle. Viime kädessä meillä on vain Ulrich Seidlin sana siitä, että (kaikki) elokuvassa kuvatut ihmiset esiintyvät elokuvassa omina itsenään. Jos näin ei olisikaan, tekisikö se Seidlin elokuvasta yhtään vähemmän totta?

sunnuntai 1. helmikuuta 2015

DP15: Tykinruokaa

DocPoint 2015, 5. päivä

Ahdistava elokuva, masentava näytös: Burma VJ vs. yleisö. "Jengi" vetää viime päivinä kovasti huolta herättäneessä elokuvakeidas Orionissa tilannetajuisesti naksuja, raksuja ja limppaa samalla kun juntta niittää 3 000 ihmistä tuonpuoleiseen. Yhden pussin tyhjennyttyä kaivetaan laukusta toinen ja revitään auki kuin kotona oltais, ja pieni joukko, jolla on aseet, rahat ja valta, sortaa kokonaista kansakuntaa. Rakasta siinä sitten ihmiskuntaa.



Burma VJ: Raportti suljetusta maasta (Burma VJ: Reporter i et lukket land, Tanska, 2008) on DocPointin tämänvuotisen päävieraan Anders Østergaardin tunnetuin työ, koska se asetettiin Oscar-ehdokkaaksi. Ei sentään ihan pelkästään sen takia, sillä elokuva on merkittävää journalismia tuodessaan Myanmarin (jo otsikkoon valittu nimitys maalle on sen hallintoa vastustava), siis BURMAN diktatorisen järjestelmän kaikkien silmien eteen. Teos on syntynyt hallintoa kameroin aseistettuna ruohonjuuren tasalta vastustavan Democratic Voice of Burma (DVC) -järjestön salaa kuvatun ja salakuljetetun kuvamateriaalin pohjalta. Jos elokuvassa jotain mestarillista on, niin se löytyy editoinnista, tavasta, jolla tämä aineisto on jäsennetty yhtenäiseksi, informatiiviseksi kertomukseksi. Vieläpä siten, että kokonaisuudesta sukeutuu poliittinen trilleri.

Kertojana toimii DVC:n johtajiin kuuluva "Joshua", joka vie meidät syyskuuhun 2007, jolloin Burmassa nähtiin ensimmäiset laajat mielenosoitukset vuoden 1988 verilöylyn jälkeen. Samalla elokuva on DVC:n tarina, joka näiden päivien aikana tuli ainakin väliaikaisesti päätökseensä. Olennaisesti se on elokuva "uuden teknologian" mahdollisuuksista luoda vastarintaa painostajia vastaan.

Samalla, kun Østergaardin teos on reportaasina ensiluokkainen, sitä jäytää tunne siitä, että se ei ole aivan niin jännittävä ja iholle menevä kuin sen kaiken järjen mukaan pitäisi olla. Tämä johtuu tarinan pahiksen puuttumisesta. Burman kansannousu on nähty kokonaan DVC:n näkökulmasta, heidän rooliinsa keskittyen. Burman valtaapitävä voima jää kasvottomaksi ja nimettömäksi. Paha ei ruumiillistu. Emme myöskään saa tietää mitään siitä varmasti monimutkaisesta järjestelmästä, jolla juntta ruokkii suosiotaan saaden sotilaat sumeilematta tappamaan aseettomia maanmiehiään pyhiä munkkeja myöten.

Vaikka Burma VJ on koostettu videokuvasta, on se syntynyt vielä filmin aikakaudella. Siksi tuntuu laiskuudelta festivaalin puolelta tuoda naapurissa tehdystä elokuvasta digitaalinen kopio. Ja miksi vielä tuoda se Orioniin, josta löytyvät filmiprojektorit? Mutta toisaalta, onhan kulttuurin tappio jo siinä, ettei tätä tuotu jo aikanaan ihan oikeaan levitykseen.



Aivan toisella tapaa Järjestelmän uhreja syntyi John Wojtovichin (1945-2006) tapauksessa. Allison Bergin ja Frank Keraudrenin ohjaus The Dog (USA, 2013) paljastaa vihdoin miehen myytin takaa: dokumentti kertoo sen miehen tarinan, jota Al Pacino esitti - ehkä kautta aikain parhaassa elokuvaroolissaan - mestariteoksessa Hikinen iltapäivä eli Dog Day Afternoon (1975). Wojtovich oli se individualisti, joka päätti rahoittaa "vaimonsa" sukupuolileikkauksen pankkiryöstöllä. Keikka laajeni Sidney Lumetin kuvaamaksi välikohtaukseksi, joka sai symbolisen luonteen kadunmiehen vastarintana Systeemiä vastaan.

The Dog keskittyy kuuluisan ryöstön lisäksi huomionsa moneen muuhunkin olennaiseen teemaan. Wojtovich oli  myös sekä Vietnam-veteraani että homoaktivisti aikana, jolloin varsinkaan jälkimmäinen ei ollut ehtinyt kasvaa muodikkaaksi. Hän oli elämää suurempi hahmo, joka myös halusi sitä olla. Heti elokuvan alussa hän määrittelee itsensä pervertikoksi, joka tupakoimisen, ryyppäämisen tai huumeiden tykittämisen sijaan elostelee seksin alueella. Wojtovich tulittaa suoraan ja kainostelematta elämänsä kokemukset kameralle toistuvasti itse ohjaajaksi ohjaajaparin tilalle pyrkien. Itsestään melua pitäneen miehen rinnalla eläessä ei varmaankaan ole kokenut tylsää päivää.

Energisyydessään The Dog peilaa kohdettaan. Se kuuluu viihdedokkareiden luokkaan, missä värikkäät tyypit kertovat värikkäitä (ja väritettyjä) juttuja ja rokki soi. Joka tapauksessa leffa "toimii" selvästi paremmin kuin aikaisemmin nähty Vietnam-veteraanin tarina Stray Dog. Lukuunottamatta sitä, että elokuvasta olisi suonut katoavan jonnekin noin kymmenen minuuttia, stoori pysyy kuitenkin kasassa ja yllättävän tiukasti asiassa. Etenkin sukellus 60- ja 70-lukujen vaihteen homopiirien tunnelmiin Wojtovichin kautta tuo runsaastikin tuoretta fiilistä aiheeseen. Loppupuolella elokuvan jännite alkaa hiipua, kunnes päästään viimeisiin kuviin. Niissä aiemmin vitaalina ja pyylevänä esiintynyt päähenkilö nähdään äkkiä syövän riuduttamana, joskin yhä rivosuisena hahmona. Kuusikymppisenä Wojtovich näytti 20 vuotta vanhemmalta. Jostain syystä elokuva on tullut esityskuntoon vasta seitsemän vuotta päähenkilönsä kuoleman jälkeen.

Wojtovich kasvatti itse itsestään legendaa, ja väitti aina voittaneensa Järjestelmän pankkikeikkaselkkauksessa. Rauhanomainen panttivankidraama päättyi poliisin surmatessa Wojtovichin 18-vuotiaan kumppanin. Wojtovich päätyi kovan luokan kuritushuoneeseen, jossa hänet joukkoraiskattiin. Taas koetellaan vanhaa lainopillista nyrkkisääntöä "rangaistus rikoksen mukaan".

lauantai 31. tammikuuta 2015

DP15: Kaupunkikuvia

DocPoint 2015, 4. päivä



Matka Yhdysvaltain Keskilännessä jatkuu Debra Granikin ohjauksella Stray Dog (USA, 2014). Tällä kertaa liikutaan Bransonissa, missä trailerissaan asustaa Ronnie "Stray Dog" Hall. Ronnie on kiinnostava persoona, reilusti yli kuusikymppinen "biker" ja Vietnam-veteraani. Nämä kaksi asiaa määrittävät hänet monella tapaa. Hän käy säännöllisesti veteraanien kokoontumisissa ja mielenosoituksissa. 40 vuoden jälkeenkin Ronnie elää yhä Vietnamin sotaa. Mikään hukkapallo ei Ronnie ole, vaan hyvinkin tavallinen, tasapainoinen mies, joka rakentaa hellyyttävää suhdetta meksikolaiseen vaimoonsa ja tämän kaksospoikiin.

Stray Dog muistuttaa maisemansa ohella Rich Hilliä paljossa muussakin. Eroa on silti kuin yöllä ja päivällä. Rich Hill ei ehkä ollut suurteos, mutta Stray Dog on siihen verrattuna monella tapaa aivan amatöörimäinen. Sekin tavoittelee fredericwisemanilaisuutta, mutta Stray Dog on elokuva ilman dramaturgiaa. Sitä voisi käyttää oppimateriaalina sen tärkeydestä, että hallitsee tarinankerronnan aakkoset. Ronnie Hall ja hänen perhe- ja ystäväpiirinsä ovat ihan kiinnostavia, mutta elokuvassa ei ole minkäänlaista jännitettä. Se alkaakin yksinkertaisesti keskeltä Hallin elämää ilman pohjustusta, tarjoamatta tulkinnalle mitään viitekehystä. Ei selviä, minkä takia tämä elokuva on tehty; vähän siellä sun täällä availlaan teemantapaisia, mutta kaikki jää ilmaan. Tästä esimerkkinä elokuva ei onnistu paljastamaan katsojalle, mitä Stray Dog tekee elättääkseen kasvavan perheensä. Elokuvan hahmottomuus on erikoisen yllättävää, sillä vain muutama vuosi sitten Granik nosti Jennifer Lawrencen tähteyteen vahvalla Winter's Bonellaan.



Toisaalla Savoyssa koettiin yksi festivaalin omalaatuisimmista tapahtumista, VOXPoint, jonne minut höyhenenä puhalsivat sattuman tuulet. Esitettävä elokuva oli Kaupunkisinfonia (Suomi, 1995), mutta hyvällä omallatunnolla en voi väittää sitä nähneeni. Sen verran paljolti huomion kiinnittivät muut kuin valkokankaan tapahtumat. Dokkari nimittäin esitettiin suurimmaksi osaksi mykistettynä niin, että katsojat tekivät sille ääniraidan. Tämän ääniraidan luomista kapellimestaroivat Stella Polariksen Mikael Rejström ja Hannu Risku. He pistivät katsomon laulamaan, hymistelemään, tömistelemään ja kaikin tavoin outoilemaan. Turha kai mainitakaan, että kokemus oli introvertille leffahönölle syvästi traumaattinen. Ilta muistutti (ja tämä ei ole suinkaan kritiikkiä) ryhmäterapiaistuntoa, jossa allekirjoittanut yritettiin saada tekemään monenlaista, mitä allekirjoittanut ei ollut millään tasolla kypsä tekemään. Hieman huolestuttaville sfääreille päästiin jo alkuvaiheessa, jossa äkisti oivalsi yleisön messuavan Helsinki-sanan ensimmäistä tavua: "Hell, hell, hell..." Missä ollaan ja mihin menossa ja kuinka sieltä pääsee pois?

Oli miten hyvänsä, kaiken hartiajännityksen lomassa illan aikana koettiin vapauttavia riemun hetkiäkin, joista varsinkin itse elokuvan Tabu-sketsiä muistuttava siviilivihkiminen ja yleisöstä napatun nerokkaan naisen kanssa improvisoitu duetto Uutelan metsästä jäivät varmasti yhtä pysyvästi mieleen kuin ne hetket, joista terapeutti tulee laskuttamaan vihlaisevan summan.



"Perustunteiden äärellä vietetty aika on vääjäämättömästi vienyt ajatukset omiin elokuvateatterin pimennossa vietettyihin tunteihin, jotka kai asiallisesti ottaen ovat olleet jonkinlaista tuhlattua elämää."
- Peter von Bagh kirjansa Elämää suuremmat elokuvat I alkusanoissa

Ja perustunteiden äärelle Petteri johdatti meidät itsekin. Ja DocPoint, joka väistämättömästi osoitti kunnioitustaan muun ohessa suurelle dokumentaristille muistonäytöksen muodossa. Vaikka mistään hartaustilaisuudesta ei kyse ollutkaan, oli tunnelma kontemplatiivinen muutaman kymmenen Maximin kakkossaliin saapuneen keskuudessa. Aivan ennen leffan alkua festivaalin johtaja, oululainen Ulla Simonen käy mitä sydämellisimmällä tavalla tervehtimässä Monroen edustajaa, koska "me tunnumme törmäävän joka paikassa - kuka sinä olet?", ja on muutamaa minuuttia myöhemmin murtua kyyneliin alustusta aloittaessaan. Tahaton ele, joka kertoo määrättömästi tilaisuuden päähenkilön merkityksestä tällaisen festivaalin rakentajille sekä toteuttajien että osallistujien joukossa.

Melkeinpä itsestäänselvästi festivaalin valinta osui toiseksi viimeiseen ohjaukseen Muisteja - pieni elokuva 50-luvun Oulusta (2013). Mikäpä muukaan olisi voinut tällaisessa yhteydessä kyseeseen tulla, kuin tekijänsä muistisukellus lapsuuden maisemiinsa, lähimpänä elokuvallista omaelämäkertaa, mitä von Baghin tuotannosta voi löytää? Tekijänsä filmografiassa Muisteja - joka alkaa komealla "Pirkanmaan elokuvakeskus esittää" -introlla - kuuluu uran vimeiseen vaiheeseen, missä ohjaaja hioi essee-elokuvan tyylilajia huippuunsa. Teos kuuluu 2000-lukua markkeeraavien kaupunkitutkielmien ryhmään, mistä löytyvät esimerkiksi (tämän elokuvan tuottajan) Jouko Aaltosen Taistelu Turusta (2011) ja (Sodankylä-vieras) Terence Daviesin Of Time and the City (2008). Von Baghin oman elokuvaperheen joukossa Muisteja on sisar Helsinki, ikuisesti -teokselle, sitä henkilökohtaisempana kuvaesseenä toisenlaisesta kaupungista.

Vaikka elokuva on vain pari vuotta vanha, leimaa sitä oikeanlainen, miellyttävä nostalgia pelkästään, kun saa kuullakseen von Baghin hoviäänet Erja Manton ja Eero Saarisen. Sekä tietysti Peterin oman äänen, joka kuuluu elokuvahistorian ikonisiin. Viimeisten vuosien töihin yhdistävästi von Bagh luo Oulusta kuvaa kirjallisuuslainauksin, musiikkisitaatein, kuvataide-esimerkein ja tietenkin arkistoleikkein. Tällä kertaa mukana on itse kuvattuakin materiaalia, kun von Bagh kulkee modernin Oulun paikoilla etsimässä, onko mitään jäljellä lapsuuden kotipaikasta.

Mutta kuka oikein ryhtyy tekemään koko illan elokuvaa 50-luvun Oulusta? Se, joka on vuosikymmenet kartoittanut koko Suomen historiaa. Muistejakin laajenee rakenne- sun muiden muutosten ravisteleman Suomen hahmotukseksi yhtä kaupunkia mallina edessämme pitäen. Kun von Bagh puhuu "Suomesta, jota ei enää ole", on värityksessä vahva painotus sillä, mitä on menetetty, matkalla voitetun sijaan. Von Baghin mukaan Suomi on vaihtokaupassa tappiolla eikä hänen argumentaationsa ole helposti kumottavissa, etenkään kun katsoo kaupunkiarkkitehtuuria "ennen ja nyt"; visuaalisen ympäristön koventumista ja riisumista silmää hellivistä ornamenteista.

Ennen kaikkea Muisteja on kaunis ja viisas elokuva eräästä kaupungista, eräästä aikakaudesta, eräästä nuoruudesta. Se ymmärtää realiteetit eikä kadota teräväpiikkisyyttään, mutta on silti hellä ja inhimillinen. Muisteja kertoo Oulusta, mutta yhtä lailla se kertoo tekijästään.

Ja tietysti kiiltokuvista...

perjantai 30. tammikuuta 2015

DP15: Heureka!

DocPoint 2015, 3.päivä

"Heureka!"
- Arkhimedes

Matkustelua kauas periferiseen Tikkurilaan. Junamatka kesti ainakin kymmenen minuuttia. Tämänvuotisen DocPointin kiehtovimpia tempauksia on yhteistyöhän ryhtyminen Tiedekeskus Heurekan kanssa. Siitäkin huolimatta, että kesti alle tunnin ja piti sisällään neljä elokuvaa, joista vain yksi oli dokumentti, torstainäytös Heurekan upeassa Planetaariossa oli maaginen.



Esitetyistä elokuvista ensimmäinen oli kupolisalin mahdollisuuksia esittelevä demo. Sitä seuraava Losing the Dark oli infomainos valosaasteesta, Dynamic Earth edellä mainittua muistuttava opetusohjelma Maapallon toimintamekanismista ja vasta viimeisenä esitetty Kilpisjärvellä oli omaehtoinen taideteos. Näytöskokonaisuus oli silti täydellisesti mukaansa imaiseva audiovisuaalinen nautinto. Tämän huomasi jo yleisöstäkin: ei mitään rapinoita, ei pienintäkään katkosta keskittymisessä pääasiaan. Kaikkialle ympärille levittyvä kuva näppäili mielikuvituksen nystyröitä ja tempaisi matkaan ajasta ja paikasta pois. Kuva oli ihanan sävykäs ja samanaikaisesti terävä. Illuusio kolmiulotteisuudestakin oli paljon tyydyttävämpi kuin tavallisissa teattereissa ja vielä ilman laseja.

Eivät näytöksen elokuvat ansainneet turhaa parjausta sisältönsäkään puolesta. Losing the Dark ja Dynamic Earth olivat toki pätevästi kirjoitettuja, informatiivisia opetuselokuvia, joiden ekologinen eetos on jokseenkin vastaansanomaton. Näistä kahdesta Dynamic Earthillä oli ässä hihassaan, sillä sen kertojana toimi Liam Neeson. Eeppisyys ei ollut vältettävissä.

Kiinnostavin teos oli silti ensimmäinen suomalainen fulldome-elokuva Kilpisjärvellä (2012), jonka takana on argentiinalainen ohjaaja Axel Straschnoy. 17-minuuttisen lyhärin nimi kertoo kaiken: elokuvassa ollaan talvisella Kilpisjärvellä. Toteutustapa yllättää formaatissaan. Selvästi näytöksen muita pätkiä karheampi teos on toteutettu time lapse -kuvauksella, joka juoksee kupolikankaalla nopeutettuna. Hieman hämmentävää (dialogittomassa teoksessa) on se, mitä elokuvan miehet tekevät, miksi he ovat Kilpisjärvellä. Aluksi heidät kuvittelee tutkijoiksi, mutta ei, ilmeisesti he ovat siellä vain kuvatakseen...Kilpisjärveä. Halonhakkuuta. Teltan pystytystä. Revontulia. Oli miten hyvänsä, elokuva on ainakin kaunis. Lähemmäksi Lappia päästäkseen sinne on matkustettava.



Yhtään kauemmaksi näistä tunnelmista ei kai voisi päästä kuin Rich Hillissä, dokumenttisarjan pääpalkinnon Sundancessa voittaneessa anti-americanassa. Rich Hill on yksi Yhdysvaltain Keskilännen lukemattomista tuppukylistä, joilla ei ole 2000-lukulaisessa markkinatalousjärjestelmässä kenellekään mitään väliä. Tracy Droz Tragos ja Andrew Droz Palermo antavat elokuvassaan äänen ja kasvot näiden rutiköyhien paikkakuntien ihmisille, ennen kaikkea nuorille. Andrew, Appachey ja Harley kasvavat seurantadokumentin aikana 15-vuotiaista täysi-ikäisyyden kynnykselle. Optimistinen, vaikka alituiseen muuttamiseen kyllästynyt Andrew on vielä suhteellisen tolkullinen tapaus, kun kaksi muuta mainittua ovat pahasti moniongelmaisia. Löytyy ADHD:ta, OCD:tä ja muuta. Nämä oireyhtymät eivät ole kuitenkaan nuorukaisten isoimpia ongelmia, sillä oireita aiheuttava sairaus on nimeltään vanhemmat. Yhdenkään vanhemmilla ei ole kykyjä tai valmiuksia hoitaa vanhemman tehtäväänsä likimainkaan kunnolla. Parhaasta päästä saattaa olla Harleyn äiti, joka istuu vankilassa monivuotista rangaistusta yritettyään tappaa poikansa raiskanneen isäpuolen (jota vastaan ei löytynyt tarpeeksi todisteita).

Tällaiset tarinat johtaisivat helposti sosiaalipornoon, mutta Rich Hill ei ole sensaationhakuista rankistelua. Sen sijaan se on melankolinen ja surullinen cinema verité -tyylinen kuvaus Amerikka-suppilon pohjasta, jonne kaikki paska valuu. Ankeus ei näy huumeissa tai väkivallassa, vaan roskaruoassa, energiajuomissa, meemein koristelluissa t-paidoissa, piskuisessa nurkka-tv:ssä, paikallisten huviksi järjestetyssä piirakkahuutokaupassa: koko kulttuurin täydellisessä alennustilassa, jonka rutikuivassa mullassa sopii yrittää kasvaa idusta edes taimeksi. Nämä ihmiset elävät kehitysmaatasolla "maailman rikkaimman kansakunnan" suolistossa.

Rich Hillin välittämä kuva Amerikan sydämestä upporikkaiden talouskeskuksien katveessa tulee lähemmäs kuin aihetta käsitelleissä fiktioissa. Dramaturgisesti Rich Hill ei herätä yhtäläistä arvostusta. Siitä tuntuu puuttuvan määrätty draamankaari, joka antaisi elokuvan lihaksille jänteet. Ehkä osasyy on siinä, että noin kahdessa vuodessa näiden nuorten elämä ei tunnu kohtaavan merkittäviä muutoksia. Tekijöillä on vielä matkaa wisemaneiksi ja pennebakereiksi, mutta heidän katseensa suuntaa jo oikeisiin paikkoihin.

Heurekasta Rich Hillin kautta keskiyön jaetulle (large)pizzalle Monroe-toverin kanssa. Festarit.

Planetaarionäytöksestä on uusintaesitys sunnuntaina kello 14.