-->
Näytetään tekstit, joissa on tunniste USA. Näytä kaikki tekstit
Näytetään tekstit, joissa on tunniste USA. Näytä kaikki tekstit

perjantai 7. helmikuuta 2025

Emilia Pérezistä ei ole hetkauttamaan kenenkään maailmaa: elokuva-arvio

Oscarit 2025

Jacques Audiardin Emilia Pérez (Ranska, 2024)

En ole koskaan pitänyt Jacques Audiardista, eikä hänen uusimpansa muuta mielipidettäni karvan vertaa. Hänen kirkkaasti paras elokuvansa (mitä itse olen ohjaajalta nähnyt) on vuoden 1996 Minä, sotasankari. Se on fiksu, hillitty ja hallittu, tasapainoinen kertomus minuutensa kanssa kamppailevasta valehtelijasta. Tämän jälkeen Audiard siirtyi yhä pidemmälle tyyliteltyyn ilmaisuun jatkaen samojen teemojen äärellä. Kun sydän lakkaa lyömästä (2005) oli ultramoderni uudelleentulkinta James Tobackin maineen kivijalasta Fingers (1978): lopputulos on keinotekoinen ja pinnallinen. Vuoden 2009 Profeetasta pitivät kaikki paitsi minä - inhoan tuota ylipitkää, tosikkomaista ja tyystin epäautenttista möhkälettä sydämeni pohjasta. Dheepan (2015) oli sentään edes keskinkertainen, mutta samalla historian toiseksi huonoin Kultaisen Palmun voittaja.

Minun nähdäkseni Emilia Pérez on seitsemänkymppisen auteurin yritys uudistaa tiensä päähän saapunutta ilmaisuaan: tässä Audiard epäonnistuu. Lopputulos osuu jonnekin Profeetan ja Dheepanin välimaastoon.

Ehkäpä pääsyy epäonnistumiselle piilee siinä, että Audiard ei saa karistettua maneerisimpia fiksaatioitaan. Pohjimmiltaan hän on genre-ohjaaja: edellinen elokuva oli western, nyt vuorossa on musikaali. Lähes kaikessa, mitä Audiard on tehnyt, päähuomion varastaa silmitön väkivalta, eikä Emilia Pérez tee poikkeusta. Siihen se myös kaatuu: jossain tämän elokuvan ytimessä piileksii hieno draama, mutta Audiardista ei ole ohjaamaan sitä meidän nähtäväksemme.

Idea on omaperäinen: nimihenkilö on mieheksi syntynyt transnainen - ja meksikolaisen rikolliskartellin pomo. Nyt hän haluaa pois voidakseen elää naisena. Tässä prosessissa auttamaan hän palkkaa lahjakkaan, mutta alati köyhän lakinaisen. Vaikeiden ongelmien ratkaiseminen aiheuttaa lisää vaikeita ongelmia. Onko gangsterin muodonmuutos toteutunut sielua myöten; miten käy, kun hän alkaa kaivata takaisin perheensä luo?

Tarina on yhtä kutkuttavan epäuskottava kuin Pedro Almodóvarin samoja aiheita tutkiva Iho jossa elän, mutta rinnastus korostaa, miten paljon etevämpi ja napakampi taituri jälkimmäinen on.

Yksinkertaistettuna Audiardin ongelma on, ettei hän osaa editoida materiaaliaan ja valita monista ideoistaan mukaan vain parhaat. Niinpä Emilia Pérezissäkin on paljon löysää, vaikka elokuva liikkuu eteenpäin suht sujuvasti: siinä missä juoni rullaa, ydin jää täysin tunnekylmäksi. Itse vain katsoin valkokangasta tuntematta lainkaan sympatiaa sille heijastettuja henkilöitä kohtaan.

Se ei silti tarkoita, että näyttelijät olisivat huonoja. Ei ollenkaan. Audiardin jokaisessa elokuvassa on saanut nauttia hienosta näyttelemisestä, Emilia Pérezissä erinomaisesta. Zoe Saldaña tekee uransa sisäistyneimmän ja hengittävimmän roolityön, ja nimiroolissa Karla Sofia Gascón on kerrassaan loistava, kumman etäisen elokuvan sykkivä sydän. Empatiakyvyttömät mielipiteet saattavat tehdä Gascónista luotaan työntävän yksityishenkilön, mutta työnsä hän tekee upeasti. Gascónin gestiikka ja presenssi ovat prikulleen oikein ja rytmitys kohtausten sisällä täydellinen.

Viime vuonna miljardööriksi kohonnut Selena Gomez tekee oman, epäkiitollisen roolinsa epätasaisemmin, mutta ei millään ansaitse aivan silmitöntä raivoa nettikirjoittajien suunnalta. Espanjaa osaamattomana en lähde arvioimaan hänen replikointiaan, mutta useassa kohdassa annetaan ymmärtää, että roolihahmo on vähintään puoleksi amerikkalaisesta perheestä, mikä selittää vierasta korostusta. Kohautan olkapäitäni: eurooppalaisena olen jo kauan sitten tottunut näkemään mm. saksalaisella aksentilla lausuttua englantia sotaelokuvissa.

Toisessa näytöksessä, ehkä elokuvan jäntevimmässä, yritetään mukaan tuoda uudenlaista substanssia, kun päähenkilöt alkavat kaivaa esiin lukemattomia kadonneita. Tämä on Meksikon kansallinen häpeä, ja useat Emilia Péreziin kriittisesti suhtautuneet meksikolaiset ovat kaikin voimin pyrkineet politisoimaan elokuvan tällä verukkeella.

Omapa on häpeänsä, Emilia Pérezistä löytyy kritisoitavaa riittävästi ihan draamankin tasolla.

On merkillinen kokemus katsoa musikaali, jonka ohjaajan huumorintaju asteikolla yhdestä kymmeneen on kaksi, ja musiikkimaku miinus kolme. Teknisesti kaikki on taidokasta, mutta mitään nautittavaa elokuvan liian monista musikaalikohtauksista ei löydy. Musiikki itsessään on sikäli erikoista, että sävellykset eivät ole kokonaisia lauluja, vaan jinglejä, sellaisia joita esimerkiksi mainoksiin tehdään. Yksikään niistä ei jää edes vahingossa mieleen.

Mutta musiikin heikko laatu ei ole ongelman ydin, vaan sen perustelemattomuus. Musikaalikohtaukset eivät tuo elokuvaan mitään lisää, vaan ne vain pitkittävät keston reippaasti päälle kahden tunnin, suotta. Kolmas näytös tussahtaa silkaksi kioskikirjallisuudeksi, eikä Audiardin tavoitteista huolimatta tunnu millään tavalla katarttiselta - siksi kliseinen päätös on, ja täysin vailla ironian tajua (vrt. Almodóvar, ironian mestari).

Miksipä siis näin fantasian omainen aihe ei olisi saanut Twilight Zone -käsittelyä? "Entäpä jos"-lähtökohdasta tarina olisi voinut päästä paljon paremmin omilleen.

***

Emilia Pérez on siinä määrin dramaturginen sotku, että toisenlaisissa olosuhteissa se olisi saattanut saada tuomion erään auteurin epäonnistuneena sivuaskeleena. Mutta toisin on käynyt. Cannesin juryn puheenjohtaja ei yksinään päätä kaikista palkinnoista, mutta perinteisesti hänellä on ollut paljon valtaa. Viime keväänä puheenjohtajana toiminut Greta Gerwig oli edellisenä vuonna julkaissut itse musikaalin nimeltä Barbie. Se on mielestäni todella huono, mutta kasasi miljardiluokan tuotot. Epäilemättä Gerwig on puhunut Cannesissa musikaalin puolesta elettyään siinä maailmassa viimeiset vuodet. Niinpä Emilia Pérezille suotiin gaalan korkein eurooppalaiselle elokuvalle myönnetty tunnustus, ja lisäksi sen naisnäyttelijät palkittiin yhteisesti. Hype ja lumipalloefekti alkoivat. (Oman artikkelinsa voisi, muuten, kirjoittaa siitä palkintotulvasta, jonka viimekeväinen jury Gerwigin johdolla jakoi amerikkalaisille elokuvantekijöille.)

Cannesia seurasi Euroopan elokuva-akatemian pääpalkinto. Sen jälkeen 13 ehdokkuutta Oscareissa, 11 ehdokkuutta BAFTA-gaalassa ja 13 César-ehdokkuutta.

Juopa elokuva-alan ammattilaisten ja yleisön välillä on ollut häkellyttävän syvä. Ensin mainitut ovat kerta kaikkiaan ylistäneet Emilia Péreziä, kun taas hämmentynyt yleisö on vastareaktiona lietsonut konsensusta, että tässä on vuoden huonoin elokuva - näin varsinkin sen jälkeen, kun Netflix julkaisi sen suoratoistona kotikatseluun.

Koska minusta elokuva ei ole kovin kummoinen, molemmat leirit herättävät minussa ihmetystä. "Ammattilaisten" ihailun voi osaltaan selittää Broadwayn valtava vaikutus: suuri osa esimerkiksi AMPASin jäsenistä on työskennellyt Broadwayllä musikaalien parissa ja tuntee sen kielen omakseen. Muun muassa siksi musikaalit ovat historiallisesti Oscareissa yliedustettuina. Mutta 13 ehdokkuutta? (Miksi esimerkiksi kuvauksesta, millä meriiteillä?) Eikä Emilia Pérez ole edes ainoa parhaan elokuvan Oscarista kisaava musikaali tänä vuonna, sillä täysin yhdentekevä Wicked (Osa 1!) sai sekin 10 ehdokkuutta.

"Amatöörien" antipatioita voi taas selittää luonteenomaisella rauhattomuudella, joka kotikatseluun liittyy. Emilia Pérez ilman muuta menettää paljon, jos se siirretään teatterista vaikka läppärille. Tunnen silti enemmän sympatiaa tällä kertaa yleisöä kuin elokuvantekijäkiltaa kohtaan.

torstai 16. tammikuuta 2025

David Lynch 1946-2025

 


David Keith Lynch, yhdysvaltalainen elokuvantekijä, 20.1.1946-16.1.2025:

Eraserhead
Elefanttimies
Dyyni
Blue Velvet
Villi sydän
Twin Peaks - Tuli kulje kanssani
Lost Highway
The Straight Story
Mulholland Drive
Inland Empire

Semper in memoria.

perjantai 13. joulukuuta 2024

Monroen jouluelokuvana itsensä Kuvernaattorin "jouluklassikko"!

Elokuvakerho Monroe esittää Arthouse Cinema Niagarassa 35 mm:n filmiltä Brian Levantin ohjaaman Isäni on Turbomies (Jingle All The Way, 1996) lauantaina 14.12. kello 20.30. Liput vain 9 euroa.

Elokuvakerhomme huippulaadukas joulunäytösten putki saavutti loogisen päätepisteensä jo viime vuonna, kun esitimme filmiltä Stanley Kubrickin joutsenlaulun Eyes Wide Shut, jonka taiteellisia meriittejä ei oikein käy ylittäminen - joten mihin suuntaan jatkaa siitä?

Onneksi jouluelokuvan alagenre on joviaalin joustava, omalakinen, eikä ota itseään turhan vakavasti. Jouluna meillä kaikilla on lupa sonnustautua vähän liian isoon pipoon, joka ei taatusti kiristä. Siksi valitsimme tälle joululle lumisateen keveää, rentoa, hupsua ajanvietettä, joka on Eyes Wide Shutia tunnin lyhyempi ja sisältää 99 % vähemmän taidetta - ja on silti, hyvin tarkkaan määritellyssä diskurssissa, lunastanut itselleen jouluklassikon aseman. Tavallaan. Vaikka sitten vääristä syistä.

Siksi: Isäni on Turbomies. Joka on hieno suomennos, alan klassikkoja.

Jos Eyes Wide Shut tai joulusarjassamme sitä edeltänyt Batman - paluu ovat esimerkkejä auteur-elokuvista, on Isäni on Turbomies auteur-filosofian vastakohta. Ohjaaja Brian Levantilla ei ole kokonaisuuden kannalta mitään merkitystä, hän on pelkkä palkollinen, tuottajien käsikassara. Koko hankkeen taustalla on ajatus maailman isoimman elokuvatähden valjastamisesta jouluun valmistautuvien lapsiperheiden koko kansan viihdyttäjäksi ilman taka-ajatuksia. Ei taidetta taiteen vuoksi, vaan pikaruokaa pikaruoan vuoksi. Tällaisessa tuotannossa vain päätähti on tärkeä, kaikki muut tekijät ovat korvattavissa ja siksi eräällä lailla anonyymeja.

Mentaliteettia korostaa elokuvan tarina, jota riittää lyhärin tarpeisiin. A.S.:n esittämä isä lupaa pojalleen joulun hittilelun - kuten kaikki muutkin isät, joten lelu loppuu kaupoista, ja viimeisten metsästäminen eskaloituu koko kaupungin kattavaksi "sodaksi", missä isät ovat susia toisilleen. Pääpaino on vankasti toiminnassa ja slapstickissä.

Isäni on Turbomies on kaavamainen tehdastuote, mutta reilu peli, sillä yleisö tietää tämän ja on halukas vaihtokauppaan. Melko rumasti haukuttu elokuva keräsi Pohjois-Amerikassa kuitenkin 130 miljoonan dollarin tulot, mikä ei ole ihan heikosti.

"Klassikoksi" sen ovat kuitenkin nostaneet irvileuat. Vuosien myötä Jingle All The Waystä on tullut rakastettu lempeän ivan kohde. Suurin ansio elokuvan hengissä pysymiselle kollektiivisessa muistissa lankeaa mestarisatiirikko Robert Smigelille (synt. 1960), joka toteutti viime vuonna katsojien sydämet valloittaneen Leo-animaation. Tehdessään töitä Conan O'Brienin ohjelmissa Smigel teki rankkaa poliittista pilaa mm. Arnold Schwarzeneggeristä, joka "haastatteluissaan" Conanin kanssa ei koskaan unohtanut puffata "holiday smash hittiään" Jingle All The Way. Juuri nämä sketsit ovat tehneet elokuvasta unohtumattoman Conan-fanien keskuudessa, mistä vitsi on sitten levinnyt eteenpäin.

Ja nyt tämä komeus on kaiken kansan nähtävillä Pohjoismaiden suurimmassa sisämaakaupungissa. Filmikopiona. Mikä aika olla elossa.

Jos luet tätä esittelyä, kuulut varmuudella niihin, joille elokuva on osa elämäntapaa (tai jopa itse elämäntapa, missä tapauksessa voin vain esittää syvimmät pahoitteluni kohtalotoverilta kohtalotoverille). Kaiva siis tonttulakki vaatehuoneen nurkasta, viskaa vonbaghit varjoihin, kevennä mielesi, ja pakene kanssamme todellisuutta puoleksitoista tunniksi Hollywoodin unimaailmaan. Se on sallittua kerran vuodessa. Kilisee kilisee kulkuset.

Jingle.
All.
The.
Way.



Jouluterveisin

Elokuvakerho Monroe

perjantai 11. marraskuuta 2022

Cinemadrome XXXIII: Men Behind The Fun

Cinemadrome 23 (11.-12.11.2022)

Ohjelmisto:

pe klo 18.00 David Cronenberg: Kärpänen (The Fly, USA 1986)
pe klo 20.15 Jahangir Salehi: Dangerous Men (USA ~2005), alkukuvana A Really Bad Place
pe klo 22.00 Larry Cohen: The Stuff (USA 1985)

la klo 17.15 James Signorelli: Elvira - Mistress of the Dark (USA 1988)
la klo 19.30 John Carpenter: The Thing (USA 1982)
la klo 21.45 Bernard Launois: Devil Story (Ranska 1985)

- Vuonna 2007 kuolleen Jahangir Salehin tytär on huomauttanut, ettei ole lainkaan varma olisiko hänen isänsä ymmärtänyt Dangerous Menin suosiota "niin huonona, että se on jo hyvä": ohjaaja kommentoi elokuvansa erään yönäytöksen hillittömästi nauravan yleisön olevan "vain joukko kännistä jengiä". -

Tomi Peuhkurisen ja Ville Lähteen hullu uni, joka alkoi marraspimeydessä 2010, jatkuu tänä viikonloppuna: Cinemadrome 23 tuo kahden päivän ja kuuden elokuvan verran hurmeista valoa keskelle harmaista harmainta aikaa.

Sanovat, että eräs kauhun funktioista on kykymme sen kautta peilata arjen vielä hirveämpiä kauheuksia; mutta asian voi kääntää päälaelleen väittämällä, että useimmille meistä taviksista kauhu suo lohtua näyttämällä, miten asiat voisivat olla vielä huonommin. Tai, kuten legendaarinen ruotsinhollantilainen lauluntekijä Cornelis niin hienosti muotoili: asiat muuttuvat paremmiksi, mutta eivät hyviksi milloinkaan.

Olipa peilailun suunta sitten sinne taikka tuonne, on sitä tarjoavalla Cinemadromella tilausta. 12 vuodessa monsieurit Peuhkurinen & Lähde ovat tuoneet Cinemadromen lipun alla 61 näytöstapahtumaa erilaiset Halloween- ynnä muut spesiaalit ja yhteistyöprojektit mukaan lukien ja usein loppuunmyydyille katsomoille. Tänäkin vuonna jo tässä vaiheessa Kärpäseen ja The Thingiin myydään eioota. Cinemadrome on alusta lähtien nauttinut myös Elokuvakerho Monroen vankkumatonta suosiota.

Tämänkertaisen ohjelman ajallinen keskipiste ovat vuodet 1985-86. Peräti 50 % Cinemadrome 23:n kattauksesta on noilta vuosilta. Muut kolme ovat nekin valmistuneet enemmän tai vähemmän 80-luvulla. (Harmi kyllä, joukossa ei ole kiinalaista Men Behind The Sunia (Hei ta yang 731, 1988), jolla olisi ollut ehkä paljonkin sanottavaa tälle ajalle.)

Keitä sitten ovat miehet näiden kyseenalaisuuksien takana? Ja miehiä he ovat, sillä naiset ovat vasta viime vuosina päässeet genren pinnalle, usein loistavin, uudistavin tuloksin. Mutta 80-luvulla eivät niinkään.

Katsotaanpa.

David Cronenberg & Kärpänen

22 näytelmäelokuvaa ohjannut David Paul Cronenberg on modernin kauhun suuri intellektuelli ja kehokauhun tärkein arkkitehti. Kanadalaiseen juutalaisperheeseen 15.3.1943 syntyneen ateistisen Cronenbergin sukujuuret sijaitsevat Liettuassa. Kolmen, epäilemättä syvästi traumatisoituneen, lapsen isä on ollut naimisissa kahdesti.

Cronenbergin maku on ihan yhtä huono kuin muidenkin tässä esiteltävien, mutta erityiseksi hänet tekee miltei taianomainen kyky kohottaa huonon maun aiheet sofistikoituneelle ja silti provosoivalle tasolle. Nykyään etabloitunut auteur oli suuren osan urastaan paljon raflaavampi kuin, no, juuri kukaan muu - sillä hänen luomuksiaan ei voi ohittaa olan kohautuksella. Peräti kuudesti on Cronenberg nähty astelemassa Cannes'in kuululla punaisella matolla.

Kärpänen on ohjaajan kymmenes elokuva ja käännekohta tuolloin 43-vuotiaan maestron uralla. Se kilvoittelee vakavasti Cronenbergin parhaan elokuvan asemasta. Niin monta aiemmissa elokuvissa kypsyteltyä ideaa loksahtaa siinä kohdalleen. Vanhan aiheen modernisoituna, psykologisena päivityksenä se muistuttaa Scorsesen Cape Fear -uusintaa muutamaa vuotta myöhemmin. Kärpäsen onnistuminen, kaupallinen menestys ja Oscar-glooria mahdollistivat muutamia vuosia kestäneen keskittymisen kunnianhimoisiin "laatuaiheisiin" (Alaston lounas, M. Butterfly). Mutta loppujen lopuksi ohjaaja päätti pysytellä enimmäkseen poissa Hollywoodin koneesta. Draamaksi lokeroitaviin aiheisiinkin Cronenberg saa sisällytettyä kauhun ja epänormaaliuden tuntua.

Ja päinvastoin: erinomainen näyttelijäohjaaja (mm. Viggo Mortensen Eastern Promisessa) ankkuroi normaalin tuolla puolen liikkuvat älylliset rakennelmansa todellisuuteen samastuttavien hahmojensa kautta. Kärpäsessä tästä huolehtii Jeff Goldblum ehkä elämänsä parhaassa roolissa.

Vuonna 2014 David Cronenberg aloitti kahdeksan vuotta kestäneen tauon elokuvien tekemisessä. Tänä aikana hän julkaisi ensimmäisen romaaninsa (Syöpäläiset, Consumed, 2014), ja hänen toinen vaimonsa kuoli.

Tänä vuonna Cronenberg palasi Suomessakin valokeilaan verraten keskinkertaisella Crimes of the Futurella.

Cronenberg kuuluu niihin elokuvantekijöihin, jotka pitävät kiinni kerran löytämistään luovista lahjakkuuksista. Howard Shore on säveltänyt musiikin lähes kaikkiin ohjaajan "kypsän kauden" töihin, ja ne on pääosin kuvannut Peter Suschitzky.

Jahangir Salehi & Dangerous Men

Iranilainen Jahangir Salehi (29.4.1936-3.3.2007) käytti myös nimeä John Rad - mutta onko hän edes elokuvantekijä? Vai onko hän nimenomaan sitä? Kysymyksiä, joihin ei ehkä koskaan saada vastausta. Näin, koska Salehi käytti mainoslauseiden mukaan 26 vuotta toisen ohjauksensa valmistamiseen.

Ennen Dangerous Meniä Salehi oli ohjannut kotimaassaan esikoisenaan täysin unohduksiin painuneen draaman miehensä menettäneestä naisesta, jonka tytär sairastuu vakavasti. Sitten, vuoden 1979 paikkeilla, Salehi aloittaa seuraavan elokuvansa kuvaukset, tällä kertaa Yhdysvalloissa, jonne oli perheineen muuttanut sattumoisin kotimaansa mullistaneen vallankumouksen aikoihin. Uutukaisen päähenkilö on väkivaltaisessa hyökkäyksessä sulhasensa menettänyt nainen, joka ryhtyy koston enkeliksi.

Vuonna 2016 ilmestyi Jeremy Coonin ja Tim Skousenin tekemä lyhytdokkari That's So John Rad, jonka aihe oli Salehin perhe ja elokuva nimeltä Dangerous Men.

Dangerous Menin vanhimmat otokset ovat jostain 70- ja 80-lukujen taitteesta, uusimmat 90-luvun puolivälistä. Budjetin koosta kertoo jotain se, että Salehi toimii ohjaajana, käsikirjoittajana ja tuottajana - ja kuvaajana ja säveltäjänä. Voi vain arvailla, mitä hommia ohjaaja on vuosien mittaan tehnyt pitääkseen projektinsa elossa. Päähenkilön esittäjä otti loparit jo reilusti 80-luvun puolella murrettuaan jalkansa kuvauksissa ja Salehin kieltäydyttyä maksamasta sairaalalaskua.

Lopulta, vuonna 2005, Dangerous Men saadaan levitettyä omakustanteisesti peräti viidessä losangelesilaisessa teatterissa. Lipputulot ovat reilut pari tonnia. Vuonna 2015 - 8 vuotta ohjaajan kuoleman jälkeen - Drafthouse levittää elokuvaa ympäri maata kiitos lähinnä Samira-tyttären. Tuohon mennessä Dangerous Menillä on määrätyissä piireissä (joihin Cinemadrome-väki mitä suurimmassa määrin kuuluu) legendaarinen maine kaikkien aikojen "mitä helv-"-kokemuksena.

Nuff said.

Larry Cohen & The Stuff

Lawrence George Cohen (15.7.1936 - 23.3.2019) syntyi New Yorkissa juutalaisperheeseen muutamaa vuotta ennen toisen maailmansodan alkua. Hän hurahti elokuviin jo varhain ja suoritti elokuvatutkimuksen tutkinnon. Hän tiesi mitä halusi elämällään tehdä ja päätyi jo 50-luvulla tv-alalle, missä hän oppi kirjoittamaan ja tuottamaan. Hänestä kehittyi luja palkka-ammattilainen, joka osasi pitää perheensä leivässä. Cohen oli kahdesti naimisissa ja sai kaksi jälkeläistä.

Vasta 70-luvulla Cohen sai hilattua itsensä elokuva-alalle, missä hän erikoistui ei-niin-kalliiden joka sortin eksploitaatioelokuvien ohjaajaksi, kirjoittajaksi ja tuottajaksi. Eniten suosiota keräsi murhaavasta mutanttivauvasta kertova It's Alive -sarja. Seuraavalla vuosikymmenellä Cohen loi legendan Mielipuolikytästä.

Omista ohjauksista nyt nähtävä The Stuff taitaa olla kaikkein paras. Se on kieli tiukasti poskessa kerrottu kauhusatiiri valtakunnallisen hullutuksen aikaansaavasta herkullisesta "mönjästä", jonka alkuperä paljastuu kerrassaan hirvittäväksi. Nokkelana käsikirjoittajana Cohen tuo roska-aiheeseen vinkeitä allegorioita kapitalismista, hedonismista, ahneudesta ja sokerifiksaatiosta. Osuvasti huonolla maulla ryyditettynä.

Kuusikymppisenä Cohen jätti ohjaushommat 18 teoksen jälkeen, mikä jälkeenpäin näyttää terävöittäneen kynää, sillä vuoden 2002 Phone Booth on mainio hitchcockilainen ahtaan paikan trilleri, ohjaajana hyvälle päälle sattunut Joel Schumacher. Kohtuullista suosiota sai osakseen myös samantapainen Cellular (2004).

Hänen huippuluokan Hollywood-tiedottajana toiminut siskonsa, Ronni Chasen, ammuttiin ryöstön yhteydessä kuoliaaksi vuonna 2010. Tämän katastrofin jälkeen Larry Cohen pysyttäytyi eläkkeellä.

James Signorelli & Elvira - Mistress of the Dark

James Signorelli ei ansainnut leipäänsä elokuvilla, vaan Saturday Night Liven tuottajana. Tässä roolissa hän työskenteli vuodet 1976-2011. Ennen televisiouraansa hän oli kuvannut blaxploitaatioklassikko Super Fly'n, eikä hän ohjannut valkokankaalle kuin kahdesti. Näistä Elvira eli Yön kuningatar on se kuuluisampi.

Elvira on komedienne Cassandra Petersonin (s. 1951) luomus. Improteatterissa hampaitaan hionut näyttelijä loi itselleen kulttimaineen esittelemällä Elviran hahmossa kauhuelokuvia tv-kanavilla saaden lopulta oman elokuvansakin - joka ei tosin menestynyt mitenkään valtavan hyvin, mutta on sinnitellyt alanharrastajien muistissa ja yökatseluissa. Jotain osuvaa Peterson on tavoittanut 50-lukulaiseen underground-estetiikkaan perustuvalla habituksellaan Elvirana.

James Signorelli on jäänyt eläkkeelle, mutta Cassandralle on riittänyt tasaisesti töitä. Tänä vuonna hänet on nähty Barbara Carrina uudessa The Munsters -elokuvassa. Hyvä niin.

Cassandra Peterson

John Carpenter & The Thing - "se" jostakin

John Howard Carpenter syntyi 16.1.1948 New Yorkin osavaltiossa kehittyäkseen yhdeksi modernin amerikkalaisen kauhun suurimmista tiennäyttäjistä. Hän kasvoi Kentuckyssä musiikin professorin poikana ja teki jo teini-ikäisenä omia kaitafilmejään. Omat yliopisto-opinnot keskeytyivät. Mutta ei se mitään: vuonna 1971 ohjaaja James S. Rokos voitti parhaan lyhytelokuvan Oscarin edellisvuonna valmistuneella elokuvallaan The Resurrection of Broncho Billy; parikymppinen John Carpenter toimi tämän elokuvan leikkaajana, säveltäjänä ja toisena käsikirjoittajana.

Muutamaa vuotta myöhemmin 26-vuotias Carpenter toteutti esikoisohjauksenaan noin 60 000 dollarilla scifi-parodia Dark Starin. Se on sattumoisin lajissaan elokuvahistorian paras, viiden tähden neronleimaus vailla vertaa.

Kaksi vuotta myöhemmin valmistui jälleen piskuisella budjetilla toinen klassikko (uudelleen filmattukin) Hyökkäys poliisiasemalle (Assault on Precinct 13, 1976). Rehellisesti sanottuna Carpenterin omintakeinen kunnianosoitus westerneille ei ole kestänyt ajan hammasta kokonaisuutena ottaen, mutta siinä on edelleen hetkensä.

1978 ilmestyi sitten Halloween, jossa kahden ensimmäisen elokuvan kokeilut tiivistyvät puhtaaksi muodoksi. Tuloksena on yksi kaikkien aikojen parhaiten ohjatuista kauhuelokuvista, jonka esteettinen ja kerronnallinen briljanssi loksauttaa leuat tänäkin päivänä. Väittely siitä kumpi on Carpenterin paras elokuva, Halloween vai Dark Star, jatkuu maailman tappiin asti, mutta kulttuuri-ilmiönä Halloween liikkuu omissa sfääreissään: sarjan viimeisin osa ilmestyi vain muutama viikko sitten.

Seuraavina kolmena vuosikymmenenä Carpenter loi menestyneen, mutta epätasaisen uran, kunnes jäi käytännössä eläkkeelle vuonna 2010 ohjattuaan 18 elokuvaa. Näistä huomionarvoisia tänä päivänä ovat Christine, Starman, Näkymättömän miehen muistelmat (hyvin kiistelty, pehmeä teos, mutta erittäin mukaansa tempaava) - ja The Thingin uusintaversio.

The Thing on sekin jo hieman ajan myötä rispaantunut, mutta siinä on yhä hyytävää voimaa - ja se on verrattomasti 50-luvun alkuperäistä kypsempi, kylmempi ja ilkeämpi. Carpenter on loistava säveltäjä, mutta tällä kertaa hän antaa tilaa maestro Morriconelle. Parhaimmillaan Carpenter on vainoharhaisen ja klaustrofobisen tunnelman visualisoijana sekä Etelänapamantereen viiltävän viimaisuuden iholle tuojana.

Arthur Penn sanoi kerran uransa auringonlaskussa, ettei hän kyllästynyt elokuvaan vaan elokuva häneen. Ehkä John Carpenter koki saman kohtalon. Mutta, hän matkasi toiselle luovuuden lähteelleen, musiikin äärelle. Yhdessä poikansa Codyn kanssa muodostamansa bändin kanssa hän on julkaissut kolme levyllistä instrumentaalimusiikkia Lost Themes -otsikon alla. Ne ovat erittäin hyviä.

Bernard Launois & Il était une fois le diable

92-vuotias Bernard Launois syntyi 8.4.1930 Ardenneis'lla ja ohjasi seitsemän elokuvaa vuosina 1972-85. Lisäksi hän näytteli yhdeksässä leffassa. Hän ei ole jättänyt elokuvan aikakirjoihin jälkeä yhtenä suurista. Pikemminkin kuuluvat hänen teoksensa kalkkunaluokkaan.

Tähän joukkoon lukeutuva Devil Story - joka nauttii IMDb-keskiarvosta 3,7 - on herttaiselta vaikuttava kertomus pariskunnasta, jonka polku maaseudulla risteää epämuodostuneen, SS-asuisen miehen kanssa, joka nauttii elämän liekin sammuttelusta. Mukaan on ympätty myös salaperäinen musta hevonen, muumio sekä huhujen mukaan sekopäisyyttä yhden elämän tarpeiksi.

Jos näet tämän syksyn Cinemadromessa vain yhden elokuvan...

torstai 22. syyskuuta 2022

Kesän loppu: merkintöjä Lepakkomiehen ja ikonien lauantaista Tampereella

MONROE LEPAKKOLUOLASSA

Elokuvakerho Monroen kesä 2022 sai säkenöivän päätöksen, kun vuoden 1989 Batman 35-millin filmikopiona veti Niagaran viimeistä paikkaa myöten täyteen. Lepakkomies-brändin omistava DC Entertainment on promotoinut Batman-päivää vuodesta 2014, ja tänä vuonna tuo päivä osui viime lauantaille. Animaattorista elokuvaohjaajaksi siirtyneen Tim Burtonin kolmas studioelokuva otti inspiraationsa Lepakkomiehen luoneen Bob Kanen sijasta Frank Millerin sadistisemmista tulkinnoista ja nousi ilmestyessään siihenastisen elokuvahistorian viidenneksi suurimmaksi kassamagneetiksi. Samalla se aloitti amerikkalaisten kulttuuri-ilmiöiden globaalin brändäämisen: Lepakkomiehestä tuli Batman, sitten Hämähäkkimiehestä Spider-Man, Teräsmiehestä Superman ja Ryhmä-X:stä X-Men - Suomessakin. Suomentajien menettäessä työtunteja, yhtenäiskulttuuri voitti.

Monroekin jäi kesästään reilusti positiivisen puolelle. Tänä kesänä koitimme tuoda valkokankaille vaihtoehtoista ohjelmaa kahdesta näkökulmasta. Ensinnäkin loimme yhdessä tekijöiden kanssa tämän vuoden perspektiivistä katseemme 90-luvun puolivälissä alkaneeseen kotimaisen elokuvan nousuun, jonka yhtenä alkuun panijana oli Markku Pölösen Kivenpyörittäjän kylä. Toisaalta testasimme rahkeitamme esittelemällä Saara Ekströmin muodossa kotimaista, valtavirran ulkopuolella uiskentelevaa kokeellista elokuvaa.

Molemmat näytökset olivat henkensä ja sisältönsä puolesta raikkaita, intiimejä ja näköaloja avaavia tapahtumia - mutta katsojamäärissä ne eivät voineet kilpailla Batmanin Hollywood-nostalgian kanssa. Siinä mielessä sarkaa vielä riittää.

Tällä hetkellä Monroe työskentelee tuodakseen Niagaraan jouluksi Batmanin jatko-osan, joka kuuluu kaikkien aikojen sarjakuvafilmatisointeihin.

PITT, CAVE, FINCHER: SARA HILDÉNIN JÄTTIYLLÄTYS

Monroen leffailta jäi kuitenkin tällä kertaa Näsijärven kauneimman taidemuseon jalkoihin.

Sara Hildénille kutsuttu brittiläinen kuvanveistäjä Thomas Houseago päätti houkutella mukaan pari kuuluisaa kaveriaan. Viime lauantaina hänellä olikin sitten täysi työ saada huomiota Brad Pittiltä ja Nick Cavelta, jotka jännittivät Yleisradion kameroiden edessä itselleen vieraassa kuvataiteilijan roolissa.

Pitt ja Cave näyttelivät yhdessä jo 31 vuotta sitten Tom DiCillon ohjauksessa Johnny Suede
Ikonien Tampereen reissu oli pidetty siinä määrin hyvin salassa, että silmiä piti hieraista toisenkin kerran, kun tutuissa kotikaupunkikuvissa seikkaili yksi maailman kuuluisimmista näyttelijöistä, kaksinkertainen Oscar-voittaja, ja vieressä poseerasi jylhän mustassa puvussaan australialainen renessanssitaiteilija ja muusikkonero. Cave on itsekin merkittävä elokuvasäveltäjä, näyttelijä muutamassa filmissä ja kolmen elokuvan käsikirjoittaja. Kaiken huipuksi kaupungissa vieraili lisäksi sukupolvensa huippuohjaajiin lukeutuva David Fincher.

Tämä oli Sara Hildéniltä upea tempaus ja sykähdytti jokaisen tamperelaisen leffahullun rintaa. Jokin elämää suurempi tuntui hetken aikaa ihmisen kokoiselta ja samaistuttavalta. Fanikulttuurissa on puolensa ja puolensa, mutta tähtien ihailun kauneus piilee siinä, että se auttaa meitä kartoittamaan omia intohimojamme, minkä kautta voimme löytää vaikkapa unelma-ammattimme tai elämän mittaisen harrastuksen yhdessä muiden samanmielisten kanssa. Ilman sitä supertähtien herättämää, usein halveerattua intohimoa ihmisiltä jäävät sytykkeet pois elämänsä roihusta. Itsekin olen seurannut jokaisen kolmen uraa melkein ensi vuosista alkaen, uskomatta koskaan heidän saapuvan kotimaisemiini.

Ja, tietenkin, näiden tähtien myötä monet kaukomailla kuulivat ensi kertaa tästä kahden järven väliin ahtautuneesta, Pohjoismaiden suurimmasta sisämaakaupungista, jota Monroe kutsuu kodikseen. Mikä ei voi olla kuin hyvä juttu.

FilmiLiekki käsittelee näyttelyn omassa artikkelissaan.

NÄIN OLLEN SEURAAVA LEFFAVISA

Monroen toiminta jatkuu seuraavaksi Kehräsaaressa perinteisellä Leffavisalla, jonne saa tulla tänä iltana. Ja saa halutessaan tulla jo kuuden maissa, sillä esitämme ennen visaa Rainan kankaalla Jean-Luc Godardia muistaen legendan lyhytelokuvia, rennoissa tunnelmissa kuitenkin. Tietokilpailu itse alkaa seitsemältä, ja vaikka se on omistettu Godardille, tuntui turhalta teemoittaa sitä mitenkään erityisesti, niin paljon on viime päivinä tapahtunut. Pubivisahullussa kaupungissamme Monroen visat erottuvat halullaan haastaa tuttuja kaavoja. Tällä kertaa mukana on erikoisuuksiimme kuuluva "biisinnimileffakierros". Visan lopuksi parhaat palkitaan tuoppiin mahtuvilla palkinnoilla, ja lisäksi juotavaa saa onnetarten valittu tiimi.

Tai, vaihtoehtoisesti, voitte mennä Tampere-taloon katsomaan John Cleeseä. Ei Tampereelta legendat lopu.



perjantai 6. toukokuuta 2022

Ted K (elegia osattomille miehille)

Tony Stonen Ted K


Nous taloni yhdessä yössä -
kenen toimesta, Herra ties.
- Se auttoiko salvutyössä,
se Musta Kirvesmies? -

On taloni kylmä talo,
sen ikkunat yöhön päin.
Epätoivon jäinen palo
on tulena liedelläin.

Ei ystävän, vieraan tulla
ole ovea laisinkaan.
vain kaks on ovea mulla,
kaks: uneen ja kuolemaan.
                        - Uuno Kailas (1901-33)


Elokuva Yhdysvaltojen kuuluisimmasta ja erikoisimmasta terroristista valmistui vasta neljännesvuosisata rikollisen kiinni ottamisen jälkeen. Eikä se syntynyt Hollywoodissa: Ted K on riippumaton tuotanto; sen tuottaja ja pääosanesittäjä on eteläafrikkalainen. Elokuvan taustalla on joukko itsenäisesti ajattelevia, älykkäitä tekijöitä.

Tuloksena on poikkeuksellisen fiksu ja puhutteleva teos, joka laajenee paljon Ted Kaczynskin tarinan rajojen ulkopuolelle. Sen monista teemoista keskeisimmäksi nousee miehinen yksinäisyys.

Useimpien on vaikeaa samaistua kirjepommittajaan, mutta Tony Stonen loisto-oivallus on se, että melkein jokainen voi jollain tasolla samaistua rintaa kourivaan yksinäisyyteen. Siksi elokuva saa tuotua riivatun päähenkilönsä iholle. Tedin pieni ja karu metsämökki - kodin ja vankilan vastine 25 pitkän vuoden ajan - saa yksinäisyyden muistomerkin aseman.

Näemme oman kotikaupunkimmekin kaduilla joka päivä omaa polkuaan auraavia keski-ikäisiä miehiä, muurit harteillaan ja etäisyyteen luoduissa silmissä yksinäisyyden jäiset tähdet.

Kun olin lapsi, meidänkin kulmillamme tunnettiin yhden sortin "Ted K": yllä kuluneet, tahraiset ja halvat rytkyt, harteille valui pesemätön tukka, johon sakset eivät olleet koskeneet vuosiin, kasvojen peittona ikäloput silmäsit ja hoitamaton parta hän touhusi eteenpäin raahaten selkä vääränä luvutonta määrää täpö täysiä kasseja ja nyssyköitä. Tiedettiin kertoa varmana, että tuo kummallinen olento oli seitsemän ällän ylioppilas.

Theodore Kaczynski (s. 1942) hyväksyttiin Harvardin yliopistoon 16-vuotiaana, missä häntä pidettiin matemaattisena ihmelapsena. Hän väitteli itsensä tohtoriksi ja toimi opettajana jokusen vuoden.

Pettymykset ihmissuhteissa ja sosiaalisessa elämässä sekä kamppailu omien raivon tunteiden kanssa ajoivat huippuälykkään nuoren poikkeukselliseen ratkaisuun alle kolmekymppisenä: Ted käänsi selkänsä ihmiskunnalle ja muutti Montanaan keskelle metsää, missä hän erakoituneena kehitteli teoriaansa modernin teknologian merkitsemästä tuhosta luonnolle.

Vuonna 1978 hän lähetti maailmalle ensimmäisen kuudestatoista kirjepommistaan.

Aika harva olisi samassa tilanteessa kääntynyt metsäpolun risteyksestä Tedin valitsemaan suuntaan. Elokuvana Ted K valaisee upeasti niitä olosuhteita ja tekijöitä, jotka tekivät Tedistä poikkeuksen - ja merkittävin näistä on Ted itse.

Elokuva manipuloi hienostuneesti katsojan tunteita ja odotuksia. Alkupuolen hermoja repivät jaksot kasvottomista viikonloppumotoristeista tunteettomasti raastamassa luonnon rauhaa riekaleiksi saisivat kenet tahansa raivon partaalle. Harvoin on näytelmäelokuvassa tavoitettu yhtä tarkasti luontoa "hyödyntävän" teollisuuden kylmäävä todellisuus ihmisen ulkopuolisen luonnon näkökulmasta. Kuvaaja Nathan Corbinin tarkasti rajatut, tyynet kompositiot latautuvat yllättävästä voimasta.

Tim Obzud ja Blanck Mass vastaavat elokuvan syliin hyppäävästä äänimaailmasta. Ensin mainittu äänisuunnittelijana ja jälkimmäinen (nokkela sanaleikki viittaa Max Planckin yksikköön) suggeroivan musiikin tekijänä.

Ted K on elokuva yliherkästä yksilöstä puun ja kuoren välissä. Ihmisiin ja teknologiaan pettynyt Kaczynski etsii rauhaa ja harmoniaa luonnon helmasta vain pettyäkseen uudestaan. Vailla seuraa hän on pakotettu purkamaan ajatuksiaan päiväkirjamerkintöihin; elokuva pohjautuu näihin Tedin omiin sanoihin, joita vuosikymmenten mittaan karttui 25 000 sivun verran. Niissä hän tunnustaa väkivallantekojensa perimmäiseksi motiiviksi henkilökohtaisen koston - rivien välistä voi lukea, ettei edes Ted itse sielunsa syvyyksissä uskonut teoillaan olevan maailmaa muuttavaa voimaa.

Näistä päiväkirjoista Stone ja hänen kirjoittajatoverinsa ovat löytäneet pelkkää trilleriä syvemmälle ulottuvan kurottavan väylän ns. "lone gunmanin" sielunmaisemaan, ja katsojana voin olla tästä vain kiitollinen. Kunnianhimoinen kokonaisuus alkaa loppupuolellaan venyä ylipitkäksi, mutta kameran räpsähtämätön katse pedon silmiin säilyy loppuun asti.

Ted Kaczynski oli tuomittu epäonnistumaan, sillä hän ei päässyt eroon ajattelunsa ristiriitaisuudesta. Lopulta hänkään ei kyennyt näkemään omaa lajiaan osana luontoa, vaan jonakin luonnon ulkopuolisena, jota vastaan piti taistella kaikin keinoin - paitsi yhdessä muiden lajitoverien kanssa.

Tämä on yksi niistä tasoista, jotka mestarillinen näyttelijä Sharlto Copley läpivalaisee suorituksessa, joka on niin yhtä elokuvan rakenteen kanssa, ettei siinä ole häivähdystäkään virtuoosin sooloilusta. Copleyn tekniikka on niin saumaton, ettei sitä huomaa, vaikka rooli on hyvin vaikea. Kivuliaimmat jaksot sijoittuvat sivuhenkilön mittoihin kasvavaan puhelinkoppiin, josta käsin Kaczynski kerjää kiusallisesti äidiltään ja veljeltään rahaa - jotka käyttää pommitarpeisiin. Elokuva pysyy, kuten oikein onkin, empaattisena mutta viimeistään näissä kohtauksissa karisevat sympatian rippeetkin.

Ehkä Ted Kaczynski on yhteiskunnan luoma, kuten me kaikki olemme, mutta valinnat ovat hänen omiaan. Sillä toisin kuin Ted, se seitsemän ällän ylioppilas lapsuudestani ei syyttänyt muita omasta tilanteestaan.

Kuten Ted K vastaan panemattomasti näyttää, ihmisen toiminta luonnossa ylittää sietokyvyn reippaasti, ja vaistomaisesti me sympatiseeraamme miestä mökissä. Ja jos Ted ei olisi luovuttanut liian aikaisin, ehkä hänestä olisi voinut tulla oman maansa Linkola. Älylliset voimavarat ainakin olisivat riittäneet. Kuka tietää, hänestä olisi voinut tulla opettaja ja majakka, mutta hän valitsi sisäänpäin kääntyneemmän, kyynisemmän ja tuhoavamman elämäntavan, joka loppujen lopuksi palveli vain hänen omaa sairasta egoaan. Ted ei koskaan opetellut keskustelemaan toisten kanssa. Hän karttoi ihmisääntä niin paljon, että kuunteli mökissäänkin vain soitinmusiikkia. Mutta yksinäisyys ei tee hyvää, se saa höpisemään itsekseen - eikä vastaamassa ole kuin kaiku. (Ehkä tässä piilee viesti heillekin, jotka rakentelevat sosiaalisessa mediassa omia kupliaan ja kaikukammioitaan.)

Suurin ironia tarinassa onkin se, että kun Ted viimein saa pakotettua julistuksensa julkaistavaksi, juuri se johtaa FBI:n hänen jäljilleen. Elokuvan loppu saa tuntemaan häilähtävää surua päähenkilön puolesta. Hänen maailmankuvansa oli niin pieni, hänen keinonsa vuorovaikutukseen niin mitättömät. Mitä tuhlausta. Ja nyt hän vanhenee coloradolaisessa vankilassa, paksut muurit hänet rakastamastaan luonnosta erottaen. 

Kaikille yksinäisille miehille:

Te pärjäätte ihmisinä hyvin. Ted Kaczynski on maailmankuulu, hänestä on tehty elokuvakin. Mutta ironisesti hän on saanut teitä vähemmän aikaan: hänen olemassaolonsa on vähentänyt hyvää maailmassa. Toisin kuin te - työttömät, syrjäytetyt, yksinäiset - Ted K. ei pystynyt tekemään edes vähintä vaadittua määrää ihmisyytensä eteen. Toisin kuin te, Ted K. ei kantanut vastuutaan, vaan etsi syitä kaikista muista paitsi itsestään. Ehkä osa teistä on heikkoja ja liian voimattomia muuttamaan olosuhteitaan - mutta te siedätte elämäänne muihin kajoamatta ja heitä, vaikka sitten pitkin hampainkin, kunnioittaen.

Tediin verrattuna te pärjäätte hyvin.



tiistai 3. toukokuuta 2022

Nakkisormia Schrödingerin kaaoksessa: Kaikki kaikkialla samanaikaisesti

Dan Kwanin ja Daniel Scheinertin Kaikki kaikkialla samanaikaisesti (Everything Everywhere All At Once)

Jos kerran maahantuoja ei vaivautunut kääntämään elokuvan nimeä, niin turha sitä oli sitten tekstittääkään.


Tämän ensi-ilta-arvion voi halutessaan lukea vastineena Juha Typön arviolle, joka julkaistiin perjantaina 29.4. mm. Helsingin Sanomissa ja Aamulehdessä.

Yleispätevänä sääntönä on viisasta välttää tämän kaltaisia "vastineita" muiden arvostelijoiden artikkeleihin, mutta testatkoon poikkeus säännön. Sillä tällä kertaa on tarjolla keskimääräistä oikeutetumpi tilaisuus vastapainoon arvosteluskaalan ääripäähän sijoittuvalle mielipiteelle.

OSA I: KAIKKI HYPETYS

"Nämä ovat parhaita hetkiä elokuvafanille; kun eteen tulee uutuusfilmi, josta ei tiedä etukäteen paljoa, ja joka sitten – kliseinen ilmaus, mutta kun sopivampaakaan ei keksi – räjäyttää tajunnan. --- Kaikki kuitenkin vain pieniä, todennäköisiä inspiraationlähteitä kokonaisuudessa – tämä on sataprosenttisesti ohjaaja-käsikirjoittajien ”Danielsien” --- ainutlaatuinen luomus. --- Aidosti vedet silmissä naurattavan komediasekoilun lisäksi se on hätkähdyttävää, lähes Hongkong-huippufilmien tasoista toimintaa. ---Mestariteos, joka jää elokuvahistoriaan."

Arvostelussa ilahduttaa kriitikon vilpitön ilo kyseisen elokuvan pauloissa, enkä ole sitä asettamassa kyseenalaiseksi - tai mitään muutakaan; tarjoan vain toisenlaisen katsomistavan. Nimittäin, Typön arvostelu tavoittaa miljoonayleisön, ja sen kirjaimellisesti varaukseton ylistys herättää varmasti jälkeenpäin hämmennystä merkittävässä osassa elokuvayleisöä. Varsinkin, kun kriitikko ei tarjoa kovin paljon kouriintuntuvia selityksiä sille, mikä tästä elokuvasta tekee niin erityisen.

Mistä siis on kyse?

OSA 2: KAIKKIALLA MAAILMOJA

1950-luvun alussa Nobel-palkittu itävaltalainen fyysikko Erwin Schrödinger esitti yhtenä mahdollisena selityksenä maailmankaikkeuden luonteelle hyvin teoreettisen, vaikeasti käsitettävän ja mahdottomana todistaa pidetyn ajatuksen, joka nykyään tunnetaan teoriana multiversumista. Reippaasti mutkat oikoen voidaan kiteyttää, että tämän ajatusrakennelman mukaan maailmankaikkeuksia ei ole olemassa vain se yksi, jossa me elämme, vaan useita, lukuisia - ehkä ääretön määrä. Nämä rinnakkaiset universumit, joissa on hypoteettisesti rajaton määrä versioita oman maailmamme esineistä ja olennoista, ovat todennäköisesti täysin irrallaan toisistaan; jotkut ovat ehdottaneet, että mustat aukot saattaisivat olla "portteja" niiden välillä.

Eräs olennainen osa teoriaa on se huomio - jonka nyt puheena oleva elokuva tyystin ohittaa - että rinnakkaisilla maailmankaikkeuksilla on ominaisuuksia, joita meidän on vaikea edes kuvitella. Niissä ei esimerkiksi välttämättä ole olemassa aikaa sellaisena kuin me sen ymmärrämme, tai niissä esiintyy muitakin ulottuvuuksia kuin meidän kolme ulottuvuuttamme (pituus, leveys, korkeus).

Kaikki kaikkialla samanaikaisesti perustuu tällä teorialla leikittelyyn. Kuten perustuu esimerkiksi merkittävä osa Marvel-sarjakuvista ja niiden elokuvaversioista. Kaikissa näissä tarinoissa multiversumiteoriaa on käsitelty mahdollisimman kansanomaisesti, karvalakkimallinnuksena - ja niiden perässä on siltikin vaikeaa pysyä.

Tavallaan KKS käyttää tätä hyväkseen viskaamalla katsojan syliin valonnopeudella hirmuisen määrän tavaraa, joka on vain pakko ottaa mukisematta vastaan, jottei putoa kyydistä. Teknisenä insinöörityön taidonnäytteenä KKS onkin tosi vaikuttava. Ja on siinä paljon muutakin hyvää, sillä Danielit ovat oikeasti lahjakkaita.

OSA 3: SAMANAIKAISESTI TOISIA KOKEMUKSIA

Esimerkiksi elokuvan alkupuoli, jossa kuvataan pesulaa pyörittävän Evelynin arkea eräänä päivänä, jolloin useat hänen elämänsä stressipisteet kohtaavat rysähtäen samassa risteyksessä, on sympaattista ja elämänmakuista kerrontaa, jossa herättää huomiota mm. näyttämisenhaluisten tekijöiden huolellinen dialogi.

Tämän alustuksen jälkeen odottaa elokuvan pistävän pykälää silmään, jotta nähdään mitä erityistä Danieleilla on tarjota.

Se mitä seuraa, ei tehnyt minuun vaikutusta. Ehkä sen olisi pitänyt. Mutta se on tehnyt suuren vaikutuksen erittäin suureen määrään ihmisiä, joihin lukeutuu monia ammattikriitikoita.

KKS:n ajoitus on täydellinen. Elokuva-ala on pandemian jäljiltä varjo entisestään, ja suoratoistoalustat jylläävät markkinoilla. KKS poikkeaa - ainakin näennäisesti - siitä "samasta vanhasta", on luvattoman energinen, väittää olevansa villi ja mielikuvituksellinen, hauska, ja, kuten joka toisessa kritiikissä toistetaan, "mitään tällaista et ole aiemmin nähnyt".

Se on totta: minä en ole aiemmin nähnyt elokuvaa, jossa henkilöillä on sormien sijalla hot dog -nakit. Mutta minkä reaktion se sai aikaan? "Onpa vähän älyttömän typerä idea."

Danieleilla on mielikuvitusta, mutta ei aina kykyä valita ideoiden joukosta ne kirkkaimmat helmet. Siksikin minulla oli vaikeuksia päästä samalle aaltopituudelle elokuvan huumorin kanssa. Eivätkä Danielit ole suinkaan ainoat mielikuvituksellaan ilakoivat tässä maailmankaikkeudessa. KKS:stä ei ole haastamaan esimerkiksi Jeunet & Caron neronleimauksia. Ja vaikka Charlie Kaufman operoi Danieleihin nähden hyisellä nopeudella, hänen ideoihinsa latautuu moninkertainen voima. Ja niin edelleen.

KKS:ssä on paljon ilahduttavaa, mistä nauttia, mutta sille osalle cinefiileistä, johon itse lukeudun, se jää lopulta etäiseksi. Tämä johtuu erityisesti kahdesta seikasta. Vaikka esimerkiksi yksin elokuvan musiikki jättää kylmäksi.

Ensinnäkin, Danielien kerrontastrategia perustuu jatkuviin crescendona paisuviin nostatuksiin, eeppisyyttä tavoitteleviin huipennuksiin, joita tuntuu tulevan vartin välein: kahden tunnin ja vartin mittaan niihin alkaa turtua. Varsinkin - ja tämä ei suinkaan ole välttämättä jokaisen kokemus - kun teoksen kuvat tuntuvat jatkuvasti olevan jotenkin ahtaita ja ilmavuutta vailla.

Pohjimmiltaan elokuvaan turtuminen aiheutuu siitä, että näitä paisutteluja ei ole ansaittu. Niiden takana ei ole tarpeeksi substanssia.

Ja tämä on koko elokuvan pohjimmainen ongelma: se on emotionaalisesti epärehellinen. Siinä missä huikaiseva kerrontatekniikka yrittää loksauttaa katsojalta leuan, tarinan pohjalla on tyystin arkinen ja kliseinen perhedraama, johon Danielit eivät saa tuotua mitään omaa. Alussa raikas dialogikin latistuu viimeisen näytöksen aikana. Danielit eivät malta olla vääntämättä rautalangasta, mitä katsojan pitäisi tuntea kertomuksen äidin ja tyttären välisten kohtaamisten aikana.

Kiinnostava ajatus syntyykin siitä mahdollisuudesta, että kaikki tapahtuukin ylistressaantuneen äidin pään sisällä; että hänen hermonsa ovat venyneet ratkeamispisteeseen ja yli. Silloin on helpompi hyväksyä, että tämän tuiki tavallisen äidin tuiki tavallisesta tyttärestä onkin (eräässä mahdollisessa todellisuudessa) kasvanut omnipotentti maailmojen tuhoaja - mikä on melkoisen äärimmäinen äidin tytärtään kohtaan kokeman frustraation personifikaatio. Tähän kuvioon latautuu melkoinen määrä pelkoa seuraavaa sukupolvea kohtaan, vaikka se on nykyinen sukupolvi ja sen edeltäjät, jotka ovat ajaneet koko pahuksen maailman sille vertauskuvalliselle reunalle, jolta elokuvan älylliset kivet vierivät alas.

Älylliset kivet kuuluvat KKS:n sympaattisimpiin ja toimivimpiin ideoihin.

Myös näyttelijöitä jaksaa katsoa koko leffan keston ajan. Michelle Yeoh on vertaansa vailla, yhtenä hetkenä täysi mutsi, toisena kung-fu-sankari täysin uskottavasti. Jamie Lee Curtis taasen muistuttaa kuin ohimennen olevansa komediennena maailmanluokkaa ja sellaisena surkuteltavan alihyödynnetty.

On aina kyseenalaista alkaa profetoimaan, mutta tuskinpa se nyt niin vaarallista tässä yhteydessä on: joten, en usko, että KKS kestää aikaa kovin hyvin. Minusta tuntuu, että se jää loppujen lopuksi verraten vähäiseksi hakusanaksi elokuvan historiankirjoihin. Sillä, kaikesta kiitettävästä yrityksestään huolimatta, harmittaa, että päällimmäiseksi leffasta jäävät mieleen ne todella kömpelöt Wong Kar-wai-pastissit.

perjantai 25. helmikuuta 2022

Oscar-sarja, osa 4: Diktaattori

Charles Chaplinin Diktaattori (The Great Dictator, 1940)

Erikoisuuksia Oscar-palkinnon historiasta

Vaikka ns. kaksoisrooleja pidetään yleisesti näyttelijän virtuositeetin suurimpana koetinkivenä, vain kaksi näyttelijää on palkittu Oscarilla kahden eri hahmon taituroinnista samassa elokuvassa - eikä kumpikaan kuulu lajin suurimpiin klassikoihin.

Vuonna 1931/32 Fredric March voitti pystin Rouben Mamoulianin Tri Jekyll & Mr. Hyde -versiosta. Ja vuonna 1965 kaksoisroolistaan melko unhoon jääneessä Jane Fonda -länkkärissä Paukkurauta-Kati (Cat Ballou) palkittiin Lee Marvin.

Näin esimerkiksi Peter Sellersin legendaarinen kolmoisrooli Tohtori Outolemmessä jäi vaille palkintoa. Vuonna 2002 Nicolas Cage sai ehdokkuuden taiturimaisesta esityksestään komediassa Adaptation. Jeremy Irons puolestaan on sanonut, että noutaessaan Oscarin suggeroivasta roolistaan psykologisessa jännärissä Onnen kulissit (1990), hän sydämessään vastaanotti sen hieman aikaisemmin julkaistusta David Cronenberg -klassikosta Erottamattomat. Ironsin tulkinta identtisistä kaksosista on lajin huippuja. Kokonaan oma tapauksensa on kaikkien aikojen suurimpiin komedioihin kuuluva Kruunupäitä ja hyviä sydämiä (1949), jossa nerokas Alec Guinness vetäisee kahdeksan roolia, joilla kullakin on aivan oma luonteensa. Guinnessin tour de force on edelleen vertaistaan vailla - mutta Akatemialta se jäi kokonaan huomaamatta.

Mutta, elokuvan historian kuuluisimmasta kaksoisroolista vastaa silti Charles Spencer Chaplin.

"Kaikkien erityisten ansioittensa ohella Diktaattori on vertaansa vailla oleva ilmiö, suurenmoinen tapaus ihmiskunnan historiassa. Aikakautensa suurin klovni ja rakastetuin henkilö uhmasi peittelemättä miestä, joka oli kiihotuksellaan saanut aikaan enemmän pahaa ja inhimillistä kärsimystä kuin kukaan toinen uuden ajan historiassa". Näin David Robinson Chaplin-elämäkerrassaan vuonna 1985.

Kuka on kaikkien aikojen suurin elokuvantekijä? En tiedä. Joku - en kuollaksenikaan saa päähäni kuka - aloitti vastauksensa ikuisuuskysymykseen suurin piirtein tähän tapaan: "Jätetään Chaplin pois tässä yhteydessä, sillä hän on kaikkien yläpuolella." Diktaattorin syntyvuosina 1938-40 viisikymppinen Chaplin oli voimiensa huipulla. Hänen viimeisin työnsä, Nykyaika (1936), oli täydellinen taiteellinen triumfi: rikkainta, syvällisintä ja hauskinta, mitä hän oli koskaan valkokankaalle luonut. Miimikkona Chaplin oli tahallaan jäänyt jälkeen ajastaan: Diktaattorissa hän astui aikaansa edelle tavalla, joka on yhä ainutkertainen seitsemännen taiteen historiassa.

Hän teki sen tyylillä ja jokaisen rippeen itsestään antaen. Diktaattori Hynkelin raivopuheiden loputon uusiminen paahtavassa helteessä veti Chaplinin kipurajan yli - mutta silti hän jatkoi. Eikä hänen olisi suinkaan tarvinnut tuossa iässä itseään rääkätä. Olihan hän jo saavuttanut enemmän kuin kukaan voi uneksia mitä tulee arvostukseen, taiteellisiin voittoihin tai taloudelliseen menestykseen. Mutta silti hän jatkoi, päivästä toiseen.

Diktaattorin tuotanto kesti 168 päivää.

Diktaattori on fantastinen komedia täynnä huikeita gagejä, fantastinen elokuva, jonka pariin voi palata milloin vain, kuinka monta kertaa tahansa pajatson tyhjenemättä - ja vielä enemmän. Se on lippu, jonka kantaja "sotii" sotimista vastaan kaikin elokuvan ja inhimillisen ilmaisun keinoin, jokaisella kohtauksellaan, jokaisella kuvallaan. Se on millimetrintarkka tyrannin ruumiinavaus, joka paljastaa itsevaltiuden ja itserakkauden erottamattomat siteet sekä hinnan, joka tästä liitoksesta koituu koko ihmisyydelle. On olennaista, että Diktaattori on komedia, sillä minä tahansa muuna vastenmielisyys, jota se huokuu sodanlietsojia, fasisteja, valloittajia ja "vahvoja miehiä" kohtaan, kävisi sietämättömäksi. Se on säilynyt ajankohtaisena yli 80 vuotta, ja tänä päivänä maailma kaipaa pikku kulkuria kipeämmin kuin koskaan. Mutta missään ei näy ketään, joka mahtuisi noihin ylisuuriin kenkiin.

Diktaattori on yhä intohimoisin puheenvuoro rauhan puolesta, mitä elokuva tuntee. Samalla se on esikuva kaikille elokuvallisille tutkielmille propagandan mädästä luonteesta. Sen lievästi ilmaistuna kuuluisa loppukohtaus on kaiken kirjallisuuden kuuluisimpia rauhanpuheita. Sitä pitäisi näyttää koululaisille kaikkialla kaiken aikaa. Se pesee aivot puhtaaksi liasta.

Chaplin sai suurenmoisesta näyttelijäsuorituksestaan Oscar-ehdokkuuden. Diktaattori valloitti ehdokkuudet myös neljässä muussa kategoriassa.

Chaplinin historia Oscareitten kanssa on ainutlaatuisen paranoidi, paremman sanan puutteessa. Paperilla hän kyllä näyttää saaneen peräti kolme pystiä, mutta lähemmässä tarkastelussa yksikään niistä ei ole "oikea" Oscar.

Aivan ensimmäinen Oscar-gaala 1920-luvun lopulla oli vielä enemmän tai vähemmän kevytmielistä puuhastelua aivan eri pohjalta kuin nykyjärjestelmä. Chaplin oli julkaissut hulvattoman Sirkus-komedian, ja alustavasti elokuvalle oli varattu nippu ehdokkuuksia. Jossain vaiheessa kuitenkin Chaplinin nimi pyyhittiin kaikkialta pois, sillä silloinen raati päätti jakaa Chaplinille erityishuomionosoituksena kunniapalkinnon mestarin laaja-alaisuudesta ohjaajana, kirjoittajana, näyttelijänä ja tuottajana.

Vasta vuonna 1972 Chaplinille myönnettiin kunnia-Oscar elämäntyöstään.

Ja seuraavana vuonna hän voitti yhden historian erikoisimmista Oscar-palkinnoista. Se tuli musiikista vuoden 1952 Parrasvaloihin: poliittisista syistä elokuvaa ei ollut tuotu aikanaan levitykseen Yhdysvalloissa; Akatemian tuolloiset säännöt määräsivät, että ehdokkuuksia voivat tavoitella kaikki elokuvat, jotka ovat olleet kalenterivuoden aikana esillä losangelesiläisessä elokuvateatterissa. Ja Parrasvalot sai viimein Hollywood-ensi-iltansa 1972. Akatemia on sittemmin muokannut sääntöjään näiltä osin, eikä vastaavaa periaatteessa voi enää tapahtua.

Sotavuoden 1941 gaalassa Chaplin hävisi näyttelijänä James Stewartille, jonka kaikella muotoa arvostettava työ Skandaalihäissä (The Philadelphia Story) ei edes omana aikanaan kestänyt millään vertailua. Mutta Stewart oli useimmille paljon turvallisempi valinta. Stewart kohosi Toisen maailmansodan aikana armeija-arvoltaan korkeammalle kuin kukaan toinen hollywoodilainen ja signeerasi myöhemmin tukun roolisuorituksia, jotka pyyhkivät Skandaalihäillä pöytää.

Käsikirjoittajana Chaplin hävisi kylläkin toiselle koomiselle nerolle, Preston Sturgesille, jonka poliittinen satiiri The Great McGinty oli kiistatta vuoden parhaita elokuvia. Mutta sen maine ei ole kestänyt edes Diktaattorin varjon vertaa.

Parhaan elokuvan Oscarin (johon tulenaralla Diktaattorilla ei kyllä ollut todellisia mahdollisuuksia ajan olosuhteissa) Chaplin hävisi Hitchcockin persoonattomimpiin töihin lukeutuvalle Rebeccalle, jonka jännityksen mestari oli tehnyt tilauksesta Selznickille. Tämä oli selkärangattomuuteen asti turvallinen valinta, missä Hollywoodin sisäpiiri katsoi vain itseensä. Rebecca löi kilpailussa jopa John Fordin mestariteoksen Vihan hedelmät, joka sekin katsottiin kai liian rehelliseksi.

Ja näin se sitten meni. Hollywoodilta jäi jälleen kerran tilaisuuden ollessa käsillä maailma muuttamatta. Kukaan ei uskaltanut tosissaan sanoa mitään. Hyräilivät vain la la landiä.

Moraalisesti oikein onkin, ettei pikku kulkurille työnnetty pussin painoksi patsasta, joka olisi vain tehnyt matkan teosta raskaampaa. Kulkurillehan patsaat on tehty yösijoiksi...



maanantai 21. helmikuuta 2022

Seksiä, valheita ja Kultaisia Palmuja

Steven Soderberghin seksiä, valheita ja videonauhaa (sex, lies and videotape)

Pirkanmaan elokuvakeskuksen pyörittämä Arthouse Cinema Niagara on koko maakunnan tärkein elokuvateatteri jo yksistään siitä syystä, että se ainoana tarjoaa kahdesti vuodessa vaihtoehdon nykyaikaiselle digielokuvalle esittämällä arkistosarjoissaan elokuvia 35 mm:n filmiprojektioina. Samalla nämä KAVIN kanssa toteutetut klassikkonäytökset näyttävät pilkahduksia elokuvan historiaan.

Tämän kevään erinomainen ohjelma:

14.2. Steven Soderbergh: SEKSIÄ, VALHEITA JA VIDEONAUHAA (Sex, Lies And Videotape, USA 1989)
21.2. Luchino Visconti: TUHON TÄHDET (Vaghe stelle dell´Orsa…Italia/Ranska 1965)
28.2. Umberto Lenzi: 008 MIEHEMME KAIROSSA (A 008 operazione sterminio, Italia/Egypti 1965)
7.3. Alf Sjöberg: NEITI JULIE (Fröken Julie, Ruotsi 1951)
14.3. Shinya Tsukamoto: TETSUO II: BODY HAMMER (Japani 1992)
21.3. Mohsen Makhmalbaf: GABBEH (Iran/Ranska 1996)
28.3. Peter Jackson: BAD TASTE (Uusi-Seelanti 1987)
4.4. Nicholas Ray (& Ida Lupino): PETTÄVÄLLÄ POHJALLA (On Dangerous Ground, USA 1951)
11.4. Robert Townsend: EDDIE MURPHY LAVALLA (Eddie Murphy: Raw, USA 1987)
25.4. Brunello Rondi: INGRIDIN TIE (Ingrid sulla strada, Italia 1973)
2.5. Monte Hellman: HE RATSASTIVAT LÄPI LUOTISATEEN (Ride In The Whirlwind, USA 1966)
9.5. Francois Truffaut: KESYTÖN (L’enfant sauvage, Ranska 1970)

Arkistosarja alkaa huipulta: Kultaisella Palmulla palkittu seksiä, valheita ja videonauhaa on upea elokuva.



Perusasetelma on klassinen. Andie McDowell ja Peter Gallagher ovat hyvin toimeentuleva aviopari: Andie on estynyt ja frigidi, Peter taas narsistinen lakimies, joka pettää vaimoaan tämän hedonistisiskon kanssa. Huolella rakennetut kulissit saapuu murtamaan huikeasti näyttelevä James Spader, Peterin opiskelutoveri yhdeksän vuoden takaa, johon Andie ihastuu.

Tiukoissa raameissa ekonomisesti työskentelevä Soderbergh keskittyy vain näihin neljään ihmiseen rajaten lähes kaikissa kohtauksissa ulkopuoliset pois. Useimmat elokuvansa myös kuvannut ja leikannut auteur on vain harvoin ottanut kynän käteen, yhtenä poikkeuksena esikoinen: skenaario on niin häikäisevän hieno, että syntyy kiusaus väittää tekijän sanoneen siinä kerralla kaiken olennaisen.

Onnistuminen syntyy kiinnostavasta perustarinasta, jonka sisällä näyttelijöillä oli vapaus muokata dialogia suuhun sopivaksi. Onnellisten tähtien alla syntynyt elokuva sai saumattomasti yhteen sopivan ensemblen.

Siksi elokuva tuntuu käsin kosketeltavan todelta. Soderbergh tutkii ihmiskäyttäytymistä kuin ulkopuolinen tarkkailija eri kulmista valottaen; mutta kaikki kiertyy pääteesin ympärille: miten epätasapainoinen suhde seksiin saa ihmiset valehtelemaan toisilleen.

James Spaderin näyttelijäpalkinto Cannes'ssa tuli siitä taituruudesta, millä hän puhaltaa hengen Grahamiin, joka on muuten vaarassa jäädä akateemiseksi. Syvien traumojen kanssa tasapainoileva parannuksen tehnyt patologinen valehtelija ei suostu muiden kolmen tapaan valehtelemaan - paitsi itselleen. Omalaatuiseksi selviytymismekanismiksi hän on kehittänyt kuvausprojektin, eräänlaisen privaatin dokumenttisarjan, jossa hän haastattelee videolle tapaamiaan naisia näiden seksikokemuksista. Näin hän voi olla muiden edessä näennäisen suora ja rehellinen, ja silti ylläpitää tunnemuuria. Kunnes hänet haastaa älykäs, avioliittoonsa turhautunut nainen. Ja äkkiä alkavat näkymättömät muurit sortua vähän joka puolella.

Soderberghin oman tunnustuksen mukaan seksiä, valheita ja videonauhaa on vieraantuneen nuoren miehen työ. Siinä määrin, ettei hän tiennyt miten iloita elokuvan yllättävästä menestyksestä Ranskan Rivieralla (ja myöhemmin lippuluukuilla, missä elokuva toi budjettinsa takaisin 30-kertaisesti). Esikoisohjaus käynnisti paitsi ohjaajansa myös neljän päänäyttelijänsä urat ja on jälkianalyyseissä paljastunut vaikutusvaltaiseksi airueksi, joka ennakoi seuraavan vuosikymmenen huikeata amerindieaaltoa. Aikaansa edellä ollutta teosta voidaan hieman romantisoiden jopa pitää ensimmäisenä 90-lukulaisena amerikkalaiselokuvana.

Aikaansa edellä siinä määrin, että se tuntuu yhä tuoreelta ja uniikilta, vaikka samoja teemoja on pyöritelty lukemattomissa vähäisempien kykyjen tuotoksissa. seksiä, valheita ja videonauhaa - upea nimi, jolle on tehtävä oikeutta kirjoittamalla se soderberghiläisittäin tyyliteltynä - kolahtaa edelleen myriadeilla tasoilla. Ohjaajan maanmiehet eivät olleet ihan ajassa. Vuoden 1989 ensi-illaksi leffassa puhutaan harvinaisen suoraan mm. masturboinnista. Ehkä siksi monet elokuvasta pitäneet ammattikriitikotkaan eivät osanneet ottaa teosta haltuun: elokuvan julisteessa lainattu kriitikko julistaa "vuoden hauskinta komediaa". Vaikka seksiä, valheita ja videonauhaa onkin viihdyttävä ja aika ajoin huvittava (varsinkin kun kankaalla häilyy Steven Brillin maan mainio baarikärpänen), se on pohjimmiltaan vakava työ aidoista aiheista. Huumorikin on läpeensä happaman ironian maustamaa.

Merkkiteoksen menestys Euroopassa on helppo ymmärtää. Soderberghin, jonka sukujuuret johtavat Ruotsiin ("Staffan Söderberg"?) ja Italiaan, tyylissä on paljon vaikutteita eurooppalaisesta perinteestä: Ingmar Bergmanista ja varsinkin puheliaasta ranskalaisesta tapakuvauksesta. Eräät asetelmat tuovat mieleen Claude Sautet'n, muiden ohessa. Henkinen miljöö on silti väärentämättömän amerikkalainen.

Viimeisen kolmenkymmenen vuoden aikana Steven Soderbergh on luonut ainutlaatuisen uran amerikkalaisena elokuvantekijänä. Hän ei ole pelännyt riskejä ja epäonnistumisia. Epäonnistumisetkin ovat olleet järjestään kiinnostavia epäonnistumisia, joissa voi vilpittömästi nauttia Soderberghin hiotusta tekniikasta, jossa ei ole mitään tarpeetonta. Tähänastisena pääteoksena voinee pitää majesteettista The Knickiä, jonka Soderbergh toteutti 20-osaisena televisiolle, leikaten ja kuvaten itse jokaisen jakson, mitä voi pitää lähes yli-inhimillisenä suorituksena. Musiikin siihen, kuten videonauhaan, teki verraton Cliff Martinez.

Silti seksiä, valheita ja videonauhaa on tekijänsä hienoin työ tähän mennessä. Ja sellaisena eräänlainen lupaus, jota Soderbergh ei ole vieläkään täysin lunastanut.

perjantai 11. helmikuuta 2022

Oscar-sarja, osa 1: Spielberg teki sen

Oscarit 2022 -katsaus, osa 1/3


Tänään teki mieli alkaa kirjoittaa huvin vuoksi Oscareista.

Kun Oscar-ehdokkuudet viime tiistaina julkistettiin, tuli Steven Spielbergistä (s. 1946) palkinnon historian ensimmäinen henkilö, joka on ollut ehdolla vuoden parhaasta ohjauksesta kuudella vuosikymmenellä. Se on aika hyvin 75-vuotiaalta.

Tänä päivänä on helppoa ajatella, että kuka muukaan tuohon saavutukseen olisi ensimmäisenä yltänyt, mutta yhtä helposti unohtuu, miten paljon Spielberg aikoinaan joutui tekemään saavuttaakseen Akatemian suosion; Tappajahaista ei ehdokkuutta herunut. Ei, vaikka elokuvasta tuli välittömästi kaikkien aikojen suurin kaupallinen hitti ja muutamassa vuodessa klassikko - ja vaikka se elokuvaohjauksena pursuaa henkeäsalpaavia kerronnallisia ratkaisuja.

Spielberg oli 30-vuotias julkaistessaan Kolmannen asteen yhteyden ja 31-vuotias saadessaan tietää tulleensa asetetuksi ensimmäistä kertaa Oscar-ehdokkaaksi ohjaustaidoistaan. Mahdollisesti elokuvahistorian teknisesti taitavin kertoja, elokuvaohjauksen Capablanca tai Mozart, oli 47-vuotias kivutessaan maaliskuussa 1994 Dorothy Chandler Pavilionin lavalle vastaanottamaan ensimmäisen Oscar-patsaansa.

Uran aikana saavutetut komeat 8 ohjausehdokkuutta tuntuvat Spielbergin maineen rinnalla vähältä. Woody Allenillakin on niitä 7 - saman verran kuin mitä West Side Story keräsi tänä vuonna ehdokkuuksia kaikkiaan. Tästä, ja kriitikoiden ylisanoista, huolimatta elokuva floppasi lippuluukuilla. Sääli, koska Spielbergin tiedetään haaveilleen elokuvamusikaalin tekemisestä jo 1941-komedian (1979) riemastuttavan ylienergisestä tanssikohtauksesta lähtien.

Steven Spielbergin mahdollisuudet Oscariin tänä vuonna ovat teoreettiset. Tällä hetkellä pulleimmin purjein menestykseen seilaavat The Power of the Dog (ohj. Jane Campion) ja Belfast (Kenneth Branagh). Mutta kuka tietää? En minä ainakaan, Oscar-veikkaukseni tapaavat mennä joka vuosi päin prinkkalaa.

Parhaan elokuvan kategoriassa on tätä nykyä vaihteleva määrä nimikkeitä, tänä vuonna täydet kymmenen: ilahduttavan ja turhauttavan sekalainen joukko. On musikaalia, westerniä, indietä, scifiä ja tosipohjaista draamaa. Sekä kolmetuntinen japanilainen Haruki Murakami -filmatisointi.

Doraibu mai kâ eli Drive My Car voitti viime keväänä Cannes'ssa käsikirjoituspalkinnon ja on käsiksestään nyt myös Oscar-ehdokkaana. Kuin myös ohjauksestaan (Ryûsuke Hamaguchi), ja ulkomaisten elokuvien sarjassa palkinto on lähes varma.

Edellä mainittujen rinnalla pari ehdokasta pistää silmään hieman yhteismitattomina.

Will Smithin intohimoprojekti King Richard kuuluu viime vuoden isoimpiin kaupallisiin floppeihin. Kriitikotkin olivat vähän epävarmoja miten suhtautua 2½-tuntiseen studiotuotteeseen Williamsin tennisperheestä, mutta Akatemia kääntyi lopulta sille suosiolliseksi. Ehdokkuuksia tuli useissa tärkeissä kategorioissa.

Mikä on kummallista, kun tarjolla olisi ollut paljon kiinnostavampi kuningastarina: Joel Coenin The Tragedy of Macbeth sai kriitikoiden Metascoressa keskiarvoksi 87, mutta ohitettiin Oscar-ehdokkuuksissa lähes tyystin. Denzel Washingtonille myönnettiin huomiota pääosasta, minkä lisäksi elokuva ylsi ehdokkuuksiin kuvauksestaan ja lavastuksestaan.

Guillermo del Toron uusin kauhufantasia Nightmare Alley yllätti myös kapuamalla kymmenen joukkoon. Ohjaajan kyseenalaisella tyylillä on riittävästi faneja.

Myös Adam McKaylla niitä faneja riittää. Tai ehkä pikemminkin Leonardo DiCapriolla, joka tähdittää Don't Look Upia, Netflixin historian toiseksi katsotuinta elokuvaa. Mutta tämän vuoden Oscareissa sillä on kyseenalainen kunnia olla kymmeniköstä heikoimmat arviot saanut: Metascore on vain 49. Se on huonommin kuin McKayn säälittävällä Will Ferrell -farssilla Uutisankkuri: Ron Burgundyn legenda.

Samaan aikaan Paul Thomas Anderson parka sai taas plakkariinsa kolme uutta ehdokkuutta, jotka jäävät palkinnoksi materialisoitumatta, vaikka Licorice Pizzaa näkemättäkin voi olla suht varma, että kyseessä on vuoden paras amerikkalaiselokuva: näin yleensä on Andersonin leffojen kohdalla asian laita (Metascore 90).

Coenin Macbethin lisäksi huomattavia parhaan elokuvan kategoriasta rannalle jätettyjä ovat Wes Andersonin kovasti tykätty The French Dispatch sekä varsinkin Pedro Almodóvarin uusin, Rinnakkaiset äidit (Madres paralelas). "Hullu melodraama" sai Metascoressa 87 pistettä ja toi Penélope Cruzille ehdokkuuden pääosasta. Ehkä elokuvien siirtyminen suoratoistopalvelujen kautta kotioloihin suosii laveammalla pensselillä roiskittuja kuvaohjelmia, joiden puutteet näkyisivät paremmin valkokankaalla? En tiedä. Eikä sillä ole väliäkään.

Cruzin mies, mestari Javier Bardem, on hänkin ehdolla. Aaron Sorkinin uusimmassa tosielämänäytelmässä Bardem esittää Lucille Ballin miestä ja vastanäyttelijää Desi Arnazia. Being the Ricardos kertoo sitcomit televisioon vakiinnuttaneesta I Love Lucy -sarjasta. Elokuva on otettu kriitikoiden parissa vastaan viileähkösti, eivätkä kaikki ole varmoja, ansaitsivatko Bardem ja Ballia esittävä Nicole Kidman ehdokkuutensa.

Fanikulttuuria heijastelee omalla tavallaan sekin, että nyt itseään voivat Oscar-ehdokkaina mainostaa myös Beyoncé ja Billie Eilish. Tosin he saivat ehdokkuutensa helpoimmassa kategoriassa: paras alkuperäislaulu.

Vastapainoksi samassa sarjassa painii myös ikoni nimeltä Van Morrison, joka kirjoitti biisin kanssabelfastilaiselle Kenneth Branagh'lle. Saapa nähdä kehtaavatko Akatemian jäsenet asettaa Eilishin tai Beyoncén ennen Astral Weeksin ja Moondancen luonutta mestaria. Eipä yllättäisi.

keskiviikko 24. marraskuuta 2021

Linnunpelätit nokittavina

 Jerry Schatzbergin Variksenpelätin (Scarecrow)

Pohjimmiltaan Amerikka on traaginen paikka. Siksi kaikki suuret amerikkalaiset tarinat ovat tragedioita. Suurin osa Kauppamatkustajan kuoleman muunnelmia. Tästä helmiketjusta löytyy myös vuoden 1973 Kultaisen Palmun voittaja, Variksenpelätin eli Scarecrow.


Tragedian kammo tekee Amerikasta viihdyttävimmän kansakuntien joukossa. On loputtoman kiehtovaa seurata optimismin uusiutuvalla polttoaineella käyvän kansan hakkaavan päätään vasten realiteettien murtumatonta seinää todellisuuspakoisessa amok-juoksussa. Yksituumaista suunnitelmaansa toteuttaen he kääntävät katseensa aina eteenpäin ja tekevät kaikkensa ollakseen muistamatta menneisyyttään. Tämä ei onnistu pelkällä tahdonvoimalla, joten amerikkalaiset ovat luoneet vertaansa vailla olevan koneiston, joka tuottaa korviketodellisuutta viihteen muodossa fantastisella tehokkuudella. Kamppailu todellisuuden lainalaisuuksia vastaan synnyttää kitkaa, joka toisinaan kiehauttaa ilmoille henkeäsalpaavaa draamaa ja suurta komediaa, jossa hehkuu kirkas ja tosiasioiden edessä tehoton ironia.

Max (Gene Hackman) kömpii laajakuvaan suoraan pellolta kuin henkiin puhallettu linnunpelätti ja jää jumiin heti ensimmäiseen piikkilanka-aitaan, joka erottaa sivistyksen periferiasta. Ainoa todistaja Maxin kamppailulle on tien vieressä liftiä odottava Lionel (Al Pacino). Alkuun peukalokyydin tarve tekee näistä kahdesta toistensa kanssa kilpailevat viholliset, mutta tuntien vieriessä maantien laidalla sikiää silkasta ihmiskontaktin tarpeesta kumppanuus ja kaveruus. Teatterimaailmassa uransa pääasiassa tehnyt käsikirjoittaja Garry Michael White on taatusti lukenut muutakin Beckettiä kuin Godot'n.

Tšehovkin on tutkittu, sillä molemmat kaverukset ovat "tarpeettomia ihmisiä": toinen on juuri vapautunut kiivas linnakundi, toinen on viettänyt vuosia merillä vanhemmuuden vastuuta pakoillen. Näiden vuosien aikana maailma on kääntänyt heille selkänsä ja unohtanut. Mutta Maxilla on vankilassa kehitetty suunnitelma autopesulan perustamisesta Pittsburghiin, joten sinne vie matka, ja jo tarinan alussa aavistaa, ettei sinne asti taideta koskaan päästä. Ainakaan kahdestaan.

Kaikista 60- ja 70-luvun taitteen hienoista amerikkalaisista vastakulttuurielokuvista, jotka kuvaavat Yhdysvaltoja marginaaliin sysättyjen näkökulmasta ja yleensä tien päällä (Rajut kuviot, Keskiyön cowboy, Monte Hellmanin Two-Lane Blacktop, Pitkät jäähyväiset), Variksenpelätin on Hellmanin pääteoksen rinnalla abstrahoiduin: vain tuossa kiihdytyskisojen alakulttuurista ammentavassa impressiossa saamme tietää päähenkilöistä vähemmän kuin Variksenpelätissä. Ja miksei? Eivät Max ja Lionelkaan halua liiemmin mennyttä muistella. Emme saa tietää kuin hämärän vihjeen kautta, miksi Max joutui niin pitkäksi aikaa poseen. Tiedämme vain, että hän ei rakasta ketään eikä välitä kenestäkään.

Sillä Max uskoo, että linnunpelätti seisoo pellolla, koska varikset pelkäävät sitä. Vaan Lionelpa näkee toisin. Nuorempi, elämäniloinen hunsvotti väittää, että varikset pelättimen nähdessään repeävät nauruun ja unohtavat hykertelyssään koko pelätin vartioiman pellon.

Max: The god damn crows are laughin'?
Lionel: That's right, they're laughin' their asses off. And then they say, "Well, that ol' farmer Jo down there, he's a pretty good guy. He made us laugh, so we won't bother him any more."

Kummalla pääsee pidemmälle, pelottelulla vai pelleilyllä? Siinä asian ydin, ja tätä käsitellessään elokuva on parhaimmillaan, varsinkin, kun Maxin murtumattomaksi luultu misantrooppinen kuori alkaa osoittaa yllättäviä pehmenemisen merkkejä. Mutta millä hinnalla?


Amerikassa on varmaan hienoa elää rikkaana, mutta ankeaa olla köyhä. Variksenpelätin on matka halki postikortin kääntöpuolen yömajasta ja vankilasta toiseen umpimielisten tavaravaunujen kyydissä pummaten. Siinä ei loppujen lopuksi ole muuta kuin kaksi luuseria, jotka ovat omaksuneet eri elämänasenteet. Ohjaaja, valokuvaajana aloittanut Jerry Schatzberg, oli jo keski-ikäinen elokuvaan siirtyessään. Hän ei ole tehnyt kuin 11 elokuvaa, joista vain kaksi ensimmäistä maineikkaita: Variksenpelätintä edelsi vahvemmin elämään jäänyt Paniikki piikkipuistossa, siinäkin pääroolissa Pacino. Hienoudestaan huolimatta Variksenpelätti tuntuu jotenkin yhteismitattomalta valinnalta Palmulla laakeroitavaksi; mutta vuonna -73 ilmassa oli muutenkin jotain outoa, sillä Schatzberg jakoi Palmun toisen, vielä unohdetumman englanninkielisen teoksen kanssa, joka oli brittiläinen Palkkalainen (ohjaus Alan Bridges).

Kultaisesta Palmusta ja mielettömän lahjakkaista supertähdistään huolimatta Variksenpelätin jäi lopulta täysin vaille huomiota Oscar-kilpailuissa, ja jotenkin sen ymmärtää. Siitä on vaikeaa osoittaa virheitä, on vain niin, että joukko muita samaan aikaan ilmestyneitä elokuvia ilmaisi samat asiat vielä terävämmin, vielä syvemmältä alusnahkaa raapaisten. Älykkyydestään ja empatiastaan huolimatta Variksenpelätin ei ole missään vaiheessa niin hyvä kuin aivan alussa ja aivan lopussa.

Teoksesta jää mieleen kuitenkin verraten paljon: tiheä tunnelma, näyttelijäsuoritukset, hienostunut vertauskuvallisuus, muutamat kiteytyneet kohtaukset sekä kaiken yhteen sitova kuvaus. Variksenpelätin on yksi niistä töistä, joiden takia 50-luvulla Unkarista Yhdysvaltoihin loikannut Vilmos Zsigmond on peräpeilistä katsottuna 1970-luvun amerikkalaisen elokuvan vaikutusvaltaisin elokuvaaja. Mestarin muihin vuosikymmenen merkkitöihin lukeutuvat mm. McCabe & Mrs. Miller, Syvä joki, Pitkät jäähyväiset, Kolmannen asteen yhteys ja Kauriinmetsästäjä.

"Nehän elää vielä." Vilmos poistui viisi vuotta sitten korkeassa iässä ja 91-vuotias Hackman jättäytyi eläkkeelle vuonna 2004, mutta 81-vuotias Pacino porskuttaa ja nähdään tuota pikaa House of Guccissa - ja hiljattaisessa haastattelussa 94-vuotias Schatzberg paljasti kenties haluavansa tehdä vielä kerran kiellon päälle yhden elokuvan. Siihen ei ole nokan koputtamista.

perjantai 15. lokakuuta 2021

Columbon murhaajatähdet


 

Tämä on lista kaikista Columbon murhaajista.


1. tv-elokuva, 1968: Gene Barry
2. tv-elokuva, 1971: Lee Grant

1. kausi (1971-72)

1. jakso: Jack Cassidy (ohj. Steven Spielberg)
2. jakso: Robert Culp
3. jakso: Eddie Albert
4. jakso: Ross Martin & Rosanna Huffman
5. jakso: Susan Clark
6. jakso: Roddy McDowall
7. jakso: Patrick O'Neil

2. kausi (1972-73)

1. jakso: John Cassavetes
            * Pat Morita sivuroolissa
2. jakso: Ray Milland
3. jakso: Robert Culp
            * Dean Stockwell uhrina
4. jakso: Richard Baseman & Honor Blackman
            * John Williams uhrina
5. jakso: Anne Baxter
6. jakso: Leonard Nimoy
7. jakso: Laurence Harvey
8. jakso: Marin Landau

3. kausi (1973-74)

1. jakso: Vera Miles
            * Martin Sheen uhrina
2. jakso: Donald Pleasence
3. jakso: Jackie Cooper
4. jakso: Robert Culp
5. jakso: Jack Cassidy & John Chandler
            * Mickey Spillane uhrina
6. jakso: Jose Ferrer
7. jakso: Johnny Cash
            * Ida Lupino uhrina
8. jakso: Richard Kiley

4. kausi (1974-75)

1. jakso: Robert Conrad
2. jakso: Dick Van Dyke
3. jakso: Patrick McGoohan
4. jakso: Robert Vaughn
5. jakso: Oskar Werner
6. jakso: George Hamilton

5. kausi (1975-76)

1. jakso: Janet Leigh
2. jakso: Hector Elizondo & Sal Mineo
3. jakso: Patrick McGoohan
            * Leslie Nielsen uhrina
4. jakso: Ricardo Montalban
5. jakso: Jack Cassidy
6. jakso: Fred Draper
            * Robert Vaughn uhrina

6. kausi (1976-77)

1. jakso: William Shatner
            * Walter Koenig sivuosassa
2. jakso: Joyce Van Patten
3. jakso: Theodore Bikel
            * Jamie Lee Curtis pikkuroolissa

7. kausi (1977-78)

1. jakso: Ruth Gordon
2. jakso: Louis Jourdan (ohj. Jonathan Demme)
3. jakso. Trish Van Devere
4. jakso: Nicol Williamson
            * Kim Cattrall sivuroolissa
5. jakso: Clive Revill

8. kausi (1989)

1. jakso: Anthony Andrews
2. jakso: Fisher Stevens
3. jakso: Lindsey Crouse
4. jakso: Robert Foxworth

9. kausi (1989-90)

1. jakso: Patrick Bauchau
2. jakso: Ian Buchanan
3. jakso: Patrick McGoohan
4. jakso: Helen Shaver
5. jakso: James Read
6. jakso: Andrew Stevens

"10. kausi" (jaksot 56-69, 1990-2003)

56. jakso (1990): Stephen Caffrey & Gary Hershberger
57. jakso (1991): George Hamilton
58. jakso (1991): Dabney Coleman
59. jakso (1991): Rip Torn & Jamie Rose
60. jakso ("No Time To Die"(!), 1992): Daniel McDonald
61. jakso (1992): Tyne Daly & Greg Evigan
62. jakso (1993): Faye Dunaway & Claudia Christian
63. jakso (1994): William Shatner
64. jakso (1994): Ed Begley, Jr.
65. jakso (1995): George Wendt
                          * Rod Steiger sivuosassa
66. jakso (1997): David Rasche
67. jakso (1998): Patrick McGoohan
                          * Rue McClanahan uhrina, Sally Kellerman sivuosassa
68. jakso (2001): Billy Connolly
69. jakso (2003): Matthew Rhys & Jennifer Sky

Kauan ennen televisiota tehtiin sarjafilmejä. Ne olivat nopeasti valmistettuja, lyhyehköjä elokuvateatterissa esitettäviä "jaksoja", jotka yhdessä muodostivat kokonaisen tarinan. Mykkäkaudelta pitkälle äänielokuvan aikakaudelle saakka yleisöt sankoin joukoin parveilivat katsomaan Perils of Paulinea, Fantomâsia, Flash Gordonia ja luvuttomia westernejä, muiden ohessa.

Samanaikaisesti suosituiksi muodostuivat monet elokuvasarjat, jotka olivat halvalla tuotettuja, mutta täyspitkiä elokuvia, joita valmistui tyypillisesti yksi tai kaksi vuodessa: Tarzan, Sherlock Holmes, Road to -elokuvat, Pekka Puupää jne.

Televisiovallankumouksen jälkeen ensimmäisinä tarpeettomiksi kävivät sarjafilmit ja filmisarjat. Niiden tilalle tulivat tv-sarjat, joiden vuoksi ei tarvinnut vaivautua pois kotoa kalossit jalassa ja edustavan näköisenä. Kun televisiotekniikka oli kasvanut lapsenkengistään siihen mittaan asti, ettei "tv-näytelmiä"  tarvinnut enää lähettää joka kerta elävänä kuin Putousta, voitiin 1960-luvulta lähtien alkaa valmistaa hieman kalliimmalla teatterielokuvan mittaisia tv-elokuvia. Suosituimmista voitiin tehdä sarjoja, joista ilmestyi uusi jakso kerran kuussa. Dennis Weaverin tähdittämä McCloud ja Rock Hudsonin McMillan ja vaimo olivat 70-luvun alkupuolen suursuosikkeja.

Tänä vuonna 50 vuotta täyttävä Columbo on tällaisten erikoispitkistä jaksoista koostuvien tv-sarjojen huipennus ja ylipäätään television kruununjalokivi. Richard Levinson ja William Link loivat Columbon arkkityypin - sekä hahmona että formaattina - jo vuonna 1960, mutta varsinainen sarjatuotanto alkoi 1971, nimiroolissa vertaistaan hakeva Peter Falk.

Columbot olivat samaa kaavaa noudattavia (mikä mahdollisti niiden tuottamisen teatterielokuvaa halvemmalla) tv-elokuvia, joita 33 vuoden ajanjaksolla valmistui 69 osaa. Ne kuvattiin filmille, osittain aidoilla kuvauspaikoilla ja niiden tekemiseen käytettiin enemmän kuvauspäiviä ja aikaa kuin tavallisiin tv-jaksoihin. Ero Columbon ja teatterielokuvan välillä on häilyvä.

Varsinkin, kun Peter Falkin vastapelureina nähtiin usein isoja valkokankaan aatelisia. Columbosta muodostui ilmiö hyvin nopeasti jo ensimmäisen tuotantokauden aikana, ja toisella kaudella murhaajaksi hakeutui jo melkein joka jaksoon Oscar-luokan kyky: Columbossa esiintymistä ei pidetty elokuvatähden arvoa halventavana keikkana kuten yleensä tv-esiintymisiin piireissä suhtauduttiin. Vaikka taso säilyi vähintään keskivertoa korkeampana kautta vuosikymmenten, ei neljännen kauden jälkeen nähty vierailevina tähtinä enää yhtä usein legendoja.

Yhtä kaikki, Columbo on säilyttänyt asemansa tv-anomaliana, joka kestää edelleen aikaa ja lyö joka suhteessa laudalta melkoisen osan teattereissa levitettävistä elokuvista.



keskiviikko 13. lokakuuta 2021

Lemmenlaiva: tähtien hakemisto

Kaikista tv-sarjojen introista Lemmenlaivalla on ikonisin. Tapa esitellä yleisölle viikon jakson vierailevat tähdet kehystettyinä, liikkuvina potrettikuvina oli nerokas ja muodostui pitkäkestoisen sarjan tavaramerkiksi yhdessä ikivihreän tunnuskappaleen kanssa.


HYVIN LYHYT HISTORIIKKI

Lemmenlaiva (The Love Boat) kuului hömppäkeisari Aaron Spellingin mahdottoman laajaan tuotantoketjuun. Sarjan kehitti Wilford Lloyd Baumes, joka käytti lähteenä Jeraldine Saundersin vuonna 1974 julkaisemaa muistelmakirjaa työskentelystä risteilyemäntänä.

Lemmenlaivasta haluttiin hittisarja vaikka väkisin. Se myytiin yleisölle kolmeen kertaan: vuonna 1976 tv-elokuvana ja vuonna 1977 toisena tv-elokuvana sekä kolmantena, joka toimi pilottina varsinaiselle sarjalle, joka alkoi syksyllä 1977 jatkuen vuoteen 1987. (10. kausi on oikeastaan neljän tv-spesiaalin kvartetti.) Sarjasta sukeutui hyvin menestyksekäs ympäri maailman. Sen sydän on MS Pacific Princessin kapteenia esittänyt joviaali Gavin MacLeod, joka tuli mukaan vasta "pilottijaksossa" eikä siis esiintynyt edeltäneissä kahdessa tv-elokuvassa.

TÄHTIVIERAAT

Noin 40 vuoden perspektiivistä Lemmenlaivan kiinnostavin aspekti on sen viikottain vaihtuva tähtikatras, joka nyt vaikuttaa kuin menneiden aikojen ensyklopedialta. Sarjan noin 250 jaksoa vilisevät Oscar-voittajia, Hollywoodin kultakauden hiipuneita tähtiä, tähtimuusikkoja, tv-tähtiä ja legendaarisia amerikkalaiskoomikoita.

Voi vain kuvitella, mitä tarinoita näiden Lemmenlaiva-vierailujen taakse kätkeytyy. Monille valkokankaan legendoille Lemmenlaiva tarjosi kaiketi vielä yhden shekin ennen lopullista esirippua; ja turvallisen ympäristön jakaa vähän tähtihehkua noviiseille. On itse asiassa ihme, ettei esim. Jimmy Stewart lähtenyt Lemmenlaivan matkaan. Kaikki muut tuntuvat kannella olleen, konfettia heittämässä. Lemmenlaivaa tehtiin valtavalla tahdilla: yhteen kauteen mahtui liki 30 jaksoa (joskin osa näistä jaksoista oli erikoispitkiä spesiaaleja). Tähtikarismalle oli siten liki jatkuva kysyntä, mikä varmasti helpotti monien agenttien elämää.

Lemmenlaiva on yhtä kuuluisa myös tulevaisuuden tähtien "löytäjänä". Kuten rakastettu John Ritter, joka esiintyi kahdessa jaksossa - ennen ja jälkeen läpilyöntinsä. 1. kauden 2. jaksossa Ritter lyö pöytään tonycurtismaisen drag-roolin sellaisella energialla, että se on taatusti herättänyt monen kykyjen etsijän kiinnostuksen.

Kaiken kaikkiaan, nimekkäät tähtivieraat olivat yksi Lemmenlaivan kivijaloista, ja sitä mukaa kun ne hiipuivat sammui myös yleisön kiinnostus sarjaa kohtaan. Ero tähtivoimassa ensimmäisten ja viimeisten kausien välillä onkin huomattava.

HAKEMISTON RAKENNE JA PERUSTEET

Alla oleva hakemisto on laadittu aakkosjärjestykseen. Siinä on käytetty vakiintunutta merkintätapaa, missä S = kausi ja E = jakso. Lista kattaa sarjan lisäksi myös kaksi sitä edeltänyttä ja yhden sitä seuranneen tv-elokuvan, mutta ei säälittävää uudelleen lämmittelyä uudella kastilla. Osa jaksoista on erikoispitkiä spesiaaleja, jotka virallisissa listauksissa on jaettu kahteen osaan: näistä on tässä huomioitu vain ensimmäinen osa.

Koska Elokuvakerho Monroe ja FilmiLiekki ovat omistautuneet elokuvataiteelle, ei alla oleva lista ole täydellinen "tähtien" lista, vaan meitä kiinnostavat tässä yhteydessä nimen omaan valkokankaan tähdet. Niinpä pois on jätetty esimerkiksi monia urheilijoita ja muusikoita.

Tämä lista on laadittu keräilijöille, kompletisteille ja muille nörteille, jotka ehkä haluavat metsästää suosikkinsa pienimmätkin työt. Yllättävän paljon aiheuttikin päänvaivaa määritellä kuka ansaitsee "tähden" statuksen. Siinä mielessä lista onkin subjektiivinen ja osittain laatijan omien mieltymysten ja nostalgian tai sen puutteen sanelema. Pois on jätetty isojakin tv-tähtiä, joilla on joku yksittäinen rooli jossain unohtuneessa leffassa; ja kuitenkin mukaan on kelpuutettu Don Adams, jonka asema ikonisena koomikkona on liian vahva ohitettavaksi, vaikka hänellä onkin valkokankaalla vain yksi päärooli. #getsmart4ever. Joka tapauksessa, kaikilla listaan kelpuutetuilla on vähintään joku tunnistettava rooli elokuvan puolella, vaikka heidän kuuluisuutensa johtuisikin työstä jossain toisessa mediumissa. Listan laatija on toiminut joissain tapauksissa myös kyseenalaisena seulojana, joka on tylysti jättänyt rannalle (kyllä sanaleikki) muutamia, jotka ovat luoneet uransa tekemällä huomaamattomia pikkurooleja sekalaisissa elokuvissa. Niin se käy.

Todella isot tärpit on nostettu esiin lihavoinneilla. Tarpeen vaatiessa on lisätty esimerkkejä elokuvista, joissa henkilö on ollut mukana: jotkut näistä ihmisistä ovat olleet aikanaan isoja tähtiä muutaman vuoden; toiset taas ovat vaikkapa luonnenäyttelijöitä, joiden kasvot muistaa, mutta nimeä ei.

Omistettu viime toukokuussa 90 vuoden iässä pois seilanneelle Gavin "Kapteeni" MacLeodille.



HAKEMISTO

A

Don ADAMS, koomikkolegenda (Get Smart - Salainen agentti 86): 1. tv-elokuva, 1976; S3 E16; S5 E13; S6 E20; S7 E24
Steve ALLEN, koomikko, näyttelijä ja Tonight Show -instituution perustaja: S1 E8; S10 E4
Kirstie ALLEY: S7 E11
June ALLYSON: S2 E10; S6 E23
Don AMECHE, Oscar-voittaja: S2 E6; S4 E23S7; E22
Ursula ANDRESS: S7 E1
Dana ANDREWS (esim. Laura, Parhaat vuodet): S6 E4
Pedro ARMENDÁRIZ, Jr. (merkittävä meksikolainen näyttelijä, isä vielä kuuluisampi): S4 E22
John ASTIN, Oscar-ehdokas lyhytfilmiohjaajana: S2 E1; S9 E14
Frankie AVALON, 1950- ja 60-lukujen pop-idoli ja "rantaelokuvien" tähti: S1 E20

B

Jim BACKUS (esim. Nuori kapinallinen): S1 E19; S5 E4
Adrienne BARBEAU, John Carpenterin ex-vaimo (esim Usva; The Thing): S1 E15
Gene BARRY (esim. Maailmojen sota): S2 E5; S4 E24; S5 E24
Richard BASEHART (esim. La Strada): S5 E6
Kathy BATES: S1 E12
Anne BAXTER: S4 E25; S8 E26
Ed BEGLEY, Jr.: S7 E23
Ralph BELLAMY: S4 E19; S8 E8
Milton BERLE, amerikkalainen komediainstituutio: S1 E4; S3 E15; S5 E11; S6 E24; S9 E3
Linda BLAIR; S5 E24
Susan BLAKELY (esim. Liekehtivä torni; Over The Top): S9 E4
Ronee BLAKLEY, Oscar-ehdokas: S3 E16
Ray BOLGER, Ihmemaa Ozin Linnunpelätti: S1 E7; S2 E15
James BOND III, näyttelijä/ohjaaja (esim Def By Temptation): S1 E8
Sonny BONO: S2 E4; S2 E25; S3 E16
Ernest BORGNINE: S6 E1
Eileen BRENNAN: S8 E2
Jeremy BRETT: S7 E21
Lloyd BRIDGES: S5 E8
Raymond BURR (esim. Takaikkuna): S2 E18
LeVar BURTON, näyttelijä/ohjaaja: S7 E22
Red BUTTONS, Oscar-voittaja: S2 E5; S3 E16

C-F

Sid CAESAR, koomikkolegenda: S2 E14; S7 E17
Cab CALLOWAY; S5 E20
Leslie CARON: S10 E2
Carol CHANNING: S5 E3; S5 E20; S6 E12; S7 E15; S9 E7; S10 E4
Cyd CHARISSE: S2 E26
Dabney COLEMAN: S2 E13
Chuck CONNORS: S7 E3
Joseph COTTEN: S4 E23
Courteney COX: S9 E11
Scatman CROTHERS: S1 E17; S8 E15
Billy CRYSTAL: S2 E6
Jane CURTIN, legendaarinen komedienne: S1 E9
Jamie Lee CURTIS: S2 E9
Tony DANZA: S7 E6
Kim DARBY (esim. Kova kuin kivi): S2 E18; S6 E11
Sandy DENNIS, Oscar-voittaja: S9 E9
Troy DONAHUE (esim. Kesäpaikka; Kummisetä II): S4 E8
Patty DUKE, Oscar-voittaja: S1 E6; S1 E20; S8 E1
Samantha EGGAR, Oscar-ehdokas: S2 E23; S4 E19
Britt EKLAND: S3 E26; S5 E13
Douglas FAIRBANKS, Jr: S3 E10; S5 E3
Antonio FARGAS (esim. Shaft, Foxy Brown): S1 E25
José FERRER: S5 E1; S9 E18
Mel FERRER (esim. Sota ja rauha): S9 E4
Corey FELDMAN: S2 E26; S5 E16
Conchata FERRELL (esim. Saksikäsi Edward; Erin Brockovich): S2 E18
Joan FONTAINE: S5 E6
Michael J. FOX: S6 E22
Anne FRANCIS (esim. Mies astui junasta; Kielletty planeetta): S8 E15

G-H

Greer GARSON: S6 E11
Zsa Zsa GABOR: S4 E9
John GAVIN (esim. Psyko, Spartacus): S1 E11
Janet GAYNOR (teki tässä jaksossa viimeisen esiintymisensä): S4 E12
Henry GIBSON (esim. Nashville; Blues Brothers; Magnolia): S6 E13
Lillian GISH: S4 E13
Ruth GORDON: S1 E6
Farley GRANGER (esim. Muukalaisia junassa; Köysi): S4 E8; S8 E14
Stewart GRANGER (esim. Scaramouche): S8 E26
Peter GRAVES: S2 S10; S4 E2; S10 E4
Andy GRIFFITH: S9 E3
Pam GRIER: S3 E18
Jackie Earle HALEY, Oscar-ehdokas: S3 E10
Tom HANKS: S4 E1
David HASSELHOFF: S3 E27; S4 E18
Olivia de HAVILLAND: S4 E23
Helen HAYES: S3 E28
Robert HAYS (esim. Hei, me lennetään!): S1 E12
Florence HENDERSON (esim. Brady Bunch): 1 tv-elokuva, 1976; S1 E11; S2 E12; S3 E21; S4 E13; S5 E5; S6 E27; S7 E6; S8 E21; S10 E4
Hulk HOGAN: S9 E13
Celeste HOLM, Oscar-voittaja: 2. tv-elokuva, 1977; S2 E20; S7 E16
Trevor HOWARD: S8 E11
Tab HUNTER, 1950-luvun teinitähti: S1 E6

I-M

Janet JACKSON: S8 E19
Richard JAECKEL, Oscar-ehdokas: S7 E16
Sam JAFFE, Oscar-ehdokas: S6 E26
Van JOHNSON: S2 E10; S5 E20
Howard KEEL (esim. Calamity Jane): S4 E27; S7 E9
Gene KELLY: S7 E19
George KENNEDY: S8 E2
Harvey KORMAN, Mel Brooksin lempinäyttelijöitä: 1. tv-elokuva, 1976; S6 E7; S7 E8; S9 E9
Diane LADD: S3 E21; S8 E1; S9 E1
Dorothy LAMOUR: S4 E11
Hope LANGE, Oscar-ehdokas: 2. tv-elokuva, 1977; S2 E5
Cloris LEACHMAN, Oscar-voittaja: 1. tv-elokuva, 1976; S8 E2; S9 E3
Janet LEIGH: S2 E9; S8 E16
Cleavon LITTLE (esim. Villiä hurjempi länsi): S3 E20
Gina LOLLOBRIGIDA: S10 E2
Shelley LONG (esim. Tohtori T. ja naiset): S1 E21
Virginia MAYO: S9 E16
Kevin MCCARTHY, Oscar-ehdokas: S7 E5
Rue MCCLANAHAN: S2 E13; S4 E2; S5 E18; S7 E15; S8 E13
Roddy MCDOWALL (esim. Apinoiden Planeetta): S2 E17
Anne MEARA, Ben Stillerin äiti (esim. Heräämisiä; Reality Bites): S2 E26
Lee MERIWETHER: S4 E21; S5 E14; S7 E18
Ethel MERMAN: S2 E27; S3 E22; S5 E8; S5 E20
Vera MILES: S5 E18; S7 E3; S8 E13
Ray MILLAND: S3 E1
Hayley MILLS (esim. Ansa vanhemmille): S2 E20; S3 E22; S8 E26
Donna MILLS (esim. Yön painajainen; Joy): S1 E11; S2 E1
John MILLS, Oscar-voittaja: S2 E20
Yvette MIMIEUX (esim. Musta aukko): S7 E19
Rita MORENO: S7 E7
Pat MORITA, Oscar-ehdokas: S1 E12; S1 E25
Richard MULLIGAN, koomikkonero: S1 E3; S2 E5

N-R

Barry NELSON (esim. Hohto; Kiitorata): S2 E27
Ricky NELSON (esim. Rio Bravo): S1 E20
Leslie NIELSEN: S1 E10; S1 E22; S2 E24
Donald O'CONNOR (esim. Laulavat sadepisarat): S4 E13; S8 E13; S9 E19
Dick Van PATTEN, Mel Brooksin "tallissa": 1. tv-elokuva, 1976; S1 E17; S4 E5; S5 E18; S6 E26; S7 E15
Slim PICKENS: S3 E18
Jane POWELL: S4 E27; S5 E27
Vincent PRICE: S2 E7
Luise RAINER: S7 E22
Phylicia RASHAD: (esim. Creed I & II): S9 E1
Lynn REDGRAVE: S6 E3
Donna REED: S7 E19
Debbie REYNOLDS: S4 E2; S6 E14
John RITTER: S1 E2; S7 E7
Tim ROBBINS: S8 E2
Tony ROBERTS (esim. Serpico, Annie Hall): S2 E14; S3 E1
Ginger ROGERS: S3 E10
Cesar ROMERO: S7 E15; S8 E18; S9 E22
Mickey ROONEY: S6 E13
Richard ROUNDTREE: S3 E18
Nipsey RUSSELL (esim. Taikuri Oz): S4 E1

S-T

Eva Marie SAINT: S6 E18
Telly SAVALAS: S8 E19
Walter SLEZAK (esim. Pelastusvene): S4 E5
Martin SHORT: S3 E28
Elke SOMMER (esim. Laukaus pimeässä): S4 E25; S8 E2
Robert STACK: S4 E7
Stella STEVENS (esim. S/S Poseidonin seikkailu): S1, pilotti; S6 E21; S7 E5
Jerry STILLER (esim. Zoolander): S2 E26
Susan STRASBERG (esim. Kapo): S5 E26
Jeffrey TAMBOR: S4 E13; S6 E21
Holland TAYLOR (esim. Usko koetuksella): S6 E16
Kevin TIGHE (esim. Road House; Lahjotut; Gilbert Grape): S3 E24
Lana TURNER: S8 E26

V-Z

Brenda VACCARO: S7 E19
Robert VAUGHN: S4 E26
Abe VIGODA: S2 E16
Andy WARHOL: S9 E3
Adam WEST: S6 E16
Betty WHITE: S4 E7; S5 E3; S6 E12; S7 E15; S9 E7
Cornel WILDE, Oscar-ehdokas: S7 E4
Fred WILLARD (esim. Best In Show): S4 E27; S7 E15; S9 E18
Mykelti WILLIAMS (esim. Forrest Gump): S9 E22
Paul WILLIAMS, Oscar-palkittu lauluntekijä: S1 E23; S5 E25
Michael WINSLOW (esim. Poliisiopisto): S9 E17; S9 E24; S9 E25
Shelley WINTERS: S6 E1
Teresa WRIGHT, Oscar-voittaja: S6 E13
Jane WYMAN: S3 E23
Susannah YORK, Oscar-ehdokas: S8 E19
Efrem ZIMBALIST, Jr (esim. Yksin pimeässä): S7 E1